"I said a young man ain't got nothing in the world these days"

1) Heaven And Hell; 2) I Can't Explain; 3) Fortune Teller; 4) Tattoo; 5) Young Man Blues; 6) Substitute; 7) Happy Jack; 8) I'm A Boy; 9) A Quick One While He's Away; 10) Amazing Journey/Sparks; 11) Summertime Blues; 12) Shakin' All Over; 13) My Generation; 14) Magic Bus.

mejor canción: Young man blues

El mejor álbum de rock en vivo de la historia. Pasemos al siguiente.

Ok, reconozco que no he descubierto la pólvora con esta aseveración ¿Verdad? Existe un consenso bastante generalizado, entre los fans del rock clásico, de que Live At Leeds es efectivamente el mejor álbum en vivo jamás grabado. (Aunque aquí en Argentina te dirían que es, qué se yo... el Unplugged de Nirvana). Ya que tengo una página de internet sobre rock y ya que estoy expresando mis gustos personales, realmente me argadaría ser ese tipo revolucionario, ese outsider total, y decir que no estoy de acuerdo, que es todo mentira, que está sobrevalorado y bla bla bla, BLA BLA BLA. Pero, gente, no hay con qué darle. Es así. El mejor álbum en vivo de la historia. Y no hay prácticamente nada más para decir.

¡Pero qué me importa! Yo voy a decir todo lo que se me antoje. Este álbum fue publicado originalmente en 1970 con solo seis canciones, seleccionadas de un concierto que The Who había ofrecido en la Universidad de Leeds el año anterior. Mucho más tarde se publicó una reedición en CD que agrega la nada despreciable cifra de OCHO temas adicionales de ese mismo show. Esta es la versión que aquí reviso, claro, no voy a cometer la tontería de centrarme en la publicación original cuando puedo escuchar el concierto entero. ¿Concierto entero dije? No, en realidad el concierto entero incluye una toma completa de Tommy, la cual solo se puede encontrar en la edición DELUXE que no revisaré porque no tiene sentido... ¿Tommy de nuevo?. Igual si podés comprarte esta versión definitiva hacelo, pero la edición remasterizada de catorce tracks no está nada mal.

En un principio estuve a punto de caer en esa onda de establecer que este álbum no era tan impresionante como decían y que no merece todo el aplauso que tiene. Es que para los no iniciados Live At Leeds puede ser jodido: uno escucha una espantosa cacofonía de ruido desencajado, feedbacks densos y tambores enloquecidos y no se puede sacar nada en limpio sobre qué carajo está ocurriendo sobre el escenario. Para colmo todas las canciones suenan igual, siempre con los mismos instrumentos y los mismos tonos de guitarra y para colmo la guitarra de Pete SIEMPRE a la derecha, y el bajo de John SIEMPRE a la izquierda... uff! Era algo ABRUMADOR. Pero, siempre hay una segunda escucha. Y después una tercera, y una cuarta... y más o menos para la quinta escucha (y a buen volumen) cae como un chaparrón la revelación: esta maldita cosa ROCKEA COMO LA REPUTISIMAMADRE QUE LOS REPARIO A TODOS.

Ehem, disculpen el exabrupto, sobre todo las madres o las feministas; verán, no suelo desubicarme de esta forma en mis revisiones, pero en esta ocasión no encontré mejor forma de expresar cómo rockea este álbum. Es in-cre-í-ble. Porque, ¡Diablos! ¿Qué es lo que pasó? ¿Este es el mismo Who chapucero de A Quick One? ¿El mismo Who poppy de Sell Out? ¿El mismo Who histriónico y moderado de Tommy? De repente, así nomás, los tipos suben a un escenario y LA DESCOSEN TOTALMENTE con su inagotable potencia, su imparable adrenalina y su incendiario huracán de watios. Y ojo que no se trata de esos Who loquitos y desaliñados que la deliraban en el escenario y destrozaban aparatosamente todos los intrumentos: NADA DE ESO. Tenemos en su lugar unos Who virtuosos, maduros, superprofesionales y superajustados TIRANDO LA CASA ABAJO con una performance LEGENDARIA repleta de energía y volumen. De hecho, es quizá el único álbum de genuino hard-rock que hayan hecho The Who, pero es tan, tan pero tan espectacular que se los recordará eternamente como la mejor banda en vivo que haya pisado el planeta. Esto es así, si alguna vez necesitás saber exactamente el sentido de la palabra “rockear”, solo ponete una copia de Live At Leeds, subí el volumen, apretá play y caete de espaldas.

Como ocurre con el casi tan bueno Get Yer Ya-Ya’s Out de los Stones, Live At Leeds tiene el famoso problema de la falta de matices. Al no haber doblados ni instrumentos adicionales, las canciones suenan todas bastante parecidas y encima que son una más heavy que la otra... puede cansar bastante. Pero todo eso está más que compensado por la GROSERA energía que hay concentrada aquí: Pete no toca su guitarra, la DESTRIPA; John no toca su bajo, hace MALABARES IMPOSIBLES con las cuerdas; Keith no toca la batería, ASESINA a sus tambores sin piedad y Roger no canta, Roger RUGE. En conjunto tenemos la mejor banda en vivo de todos los tiempos en una de sus más inspiradas noches. Obviamente que los Who han dado varios shows espectaculares, pero Live At Leeds tiene todas aquellas ventajas que la gran parte de los álbumes en vivo no poseen. En principio suena muy bien, la calidad de sonido es impecable; cuando lo esucho siento que estoy ahí en el salón Leeds (un salón, nada más) y me sumo a la algarabía del impresionado público. Después, no es de esos conciertos donde la banda es pura energía y poca presición: aquí los tipos no solo desbordan de energía sino que lo hacen todo con inexplicable profesionalidad y convicción, sin equivocarse, sin vacilar, ni ofrecer una sola performance mediocre. Por ejemplo me pregunto: ¿Es pensable que una banda ofrezca tamaña versión de A Quick One While He’s Away EN VIVO? Nah, todos en buena forma, incluso Roger que se canta la vida sin desafinar una sola nota. Resumiendo: energía a raudales, performance más ajustada que un slip y excelente calidad de sonido. Resultado: una excitación rockera que te va a poner LAS PELOTAS CONTRA LA GARGANTA.

Y ahora, al setlist. La mayoría de los tracks de Live At Leeds son singles; los cuatro LP’s están representados por una canción cada uno. La forma en que la banda transfigura simpáticas y moderadas cositas pop en gloriosos y aplastantes himnos rockeros es una cosa digna de escucharse. Por ejemplo... ¿Alguno se acuerda de la infausta mini-suite A Quick One While He’s Away? Esa modesta opereta del segundo álbum, un tanto opaca y un tanto tímida... ¡Olvídense! Aquí se convierte en una cosa apabullante repleta de emocionantes melodías y espeluzantes riffs uno tras otro... ¿Y ese pegadizo single pop, Substitute? Tenemos acá una cosa demoledora de dos minutos de pura energía reconcentrada y un riff impecable... ¿Y ese simpático numerito acústico Magic Bus? ¿En qué creen que se transformó? Pues en una ÉPICA ESPECTACULAR de ocho minutos... ah... ESA INTRO MAAAAN. ¿Oíste ese inofensivo toc-toc del comienzo y la gente ovacionado, intuyendo lo que se viene? Pues ahí entra Pete improvisando con su guitarra y es UNA MASACRE. Una verdadera y masiva masacre de rock and roll... y las jugosas líneas de bajo distorsionado marcando peligrosamente el ritmo... La canción va aumentando la tensión de a poco, como una verdadera épica, hasta que estalla, estalla y todo vuela por los aires... y yo me vuelvo loco, y cuando todo parace haber terminado salta Pete y se inventa un ESPECTACULAR RIFF DE LA NADA para llevar la canción al final como una montaña rusa ¡Qué final! Claro, ese es el final del álbum. No tenía idea lo que se podía hacer con una cosita como Magic Bus.

Y ni hablar de los covers de blues. Tanto Young Man Blues como Summertime Blues fueron singles de estudio, pero a quién le importa cuando podemos esuchar estas ATRONADORAS versiones de Leeds. Summertime Blues tiene ese riff simplísimo que destroza todo en su camino… pero aún mejor es la épica de Young Man Blues, quizá la cosa más voluminosa y escandalosamente violenta que ningún grupo ha hecho jamás. Todo empieza con un fenomenal duelo entre los estertores de Roger y la insana batería de Keith, pero después entra Pete con un par de riffs y ¡AY MADRE MIA! ¡AY VIRGEN SANTISIMA! La guitarra de Townshend literalmente EXPLOTA en algunos de los riffs más viciosos y retumbantes que esuché en mi vida. Para que se den una idea, Keith Richards en Monkey Man parece, justamente, un MONO al lado de esto. Y también está la excelente, perfecta Shakin’ All Over: De nuevo, los riffs son anormales (sobre todo en el jam del medio donde directamente me ponen fuera de mí) y esta vez Roger se canta todo con sus perfectos rugidos. Robert Plant hubiera pegado un par de alaridos, Roger RUGE, esa es la diferencia. (Ojo, me gusta Plant, pero seguro que de haber estado en Shakin’ All Over lo arruinaba todo).

¿Qué mas? Mucho más. Está la poderosa overtura Heaven And Hell, un single de Entwistle expresamente compuesto para ser tocado en vivo (La versión de estudio solo se consigue en box-sets). Y vaya si funciona; los Who abren el disco con un BIG BAND de energía en medio del silencio. La melodía de la canción es la típica melodía retorcida y extraña de John, (quien además canta, por supuesto) pero vaya que hay algunos riffs interesantes para tirar aquí. También está el cover de Fortune Teller, en una versión más lenta, y por lo tanto más lánguida, que la de los Rolling Stones. No importa, porque el riff que abre es espectacular y el bajo la rompe. Bah, el bajo de John la rompe SIEMPRE y resulta ridículo mencionar alguna parte en especial. Ah! y hablando de bajos, no olvidarse de Amazing Journey / Sparks, el único corte de Tommy rescatado en esta edición. La versión de Tommy era impecable, pero esto que esta acá (y se me van agotando las palabras) DESPEDAZA al oyente con su viciosidad. Ok, no tiene ese misticismo de la versión original, pero Sparks particularmente avanza con una justeza y una adrenalina que no tienen comparación. El bajo de John, como siempre, la rompe.

Entre las cosas más moderadas del álbum, o sea más “tranqui”, aparecen algunos singles como la famosa I Can’t Explain, que no obstante cuenta con su excelente riff. También están I’m A Boy y Happy Jack, que nunca fueron de mis singles favoritos. Los tomo como un simple descanso... y reconozco que I’m A Boy también rockea, sobre todo la parte donde entra Roger... es una puñalada. Por último hay una correcta versión de Tattoo que no agrega mucho a la excelente orginal de Sell Out pero que está muy bien (inteligentemente unida a Fortune Teller).

Pero ¿Quién quiere moderación? Sin lugar a dudas lo más carnoso está en la desproporcionada versión de My Generation que es convertida aquí en un DINOSAURIO MITICO de quince minutos de duración. Obviamente la cosa rockea con uñas y dientes, aunque el tema de My Generation en sí ocupa solo un par de minutos: en el resto veremos a Pete, John y Keith ensayar un gigantesco jam con fragmentos de Tommy (See Me Feel Me y Listening To You incluídas) e incluso de Naked Eye!!!, una canción espectacular que no vería la luz hasta Odds And Sods. Como si eso fuera poco, Pete se inventa todo tipo de riffs en el momento (prestar atención al que aparece a los ocho minutos cuarenta segundos) y deja exaustos a todos. Sí, quizá quince minutos de esto puede ser (ES) excesivo, pero no por eso deja de ser grandioso. Sencillamente grandioso.

Te lo pongo así: un fan de hard-rock sin su copia de Live At Leeds es un... un auto sin ruedas, una flor sin perfume, un escenario sin actores... ¡Qué va! es un COMPLETO Y TOTAL IDIOTA QUE NO TIENE LA MENOR IDEA DE LO QUE ES LA VIDA. Quizá eres uno de esos que se apasiona con cosas como Kiss, Aerosmith, Guns And Roses, Metallica y todo eso... pues dale una oída a esto y seguramente te vas a AVERGONZAR de esos grupúsculos. Así de sencillo. Led Zeppelin en su dos primeros álbumes y los Stones de Ya-Ya's son las únicas bandas que pueden aspirar a competir con estos Who (De hecho, ¿No será Live At Leeds una respuesta a los dos primeros álbumes de Zepp?) Como sea, este es el mejor álbum en vivo que haya escuchado; no es ese hard-rock blusero y sexy... pero en cuanto a adenalina, energía y pelotas, NADA supera a esto.

Sección COMENTARIOS DE LECTORES sobre LIVE AT LEEDS!

Who's Next – 1971

9+/10

"Let's get together before we get much older"

1) Baba O'Riley; 2) Bargain; 3) Love Ain't For Keeping; 4) My Wife; 5) Song Is Over; 6) Getting In Tune; 7) Going Mobile; 8) Behind Blue Eyes; 9) Won't Get Fooled Again.

BONUS: 10) Pure And Easy; 11) Baby Don't You Do It; 12) Naked Eye; 13) Water; 14) Too Much Of Anything; 15) I Don't Even Know Myself; 16) Behind Blue Eyes (alternate version).

mejor canción: Won't get fooled again

Unos nuevos Who se presentan al mundo con Who’s Next; unos Who más exagerados, más grandilocuentes y bombásticos que nunca. Las nuevas canciones ya no son los tímidos rhythm and blues de los primeros años, ni el pop bizarro y livianito de Sell Out, ni tampoco las moderadas viñetas acústicas de Tommy. Esta vez las canciones son verdaderos MONSTRUOS de sonido que aplastan y devoran al oyente en inacabables orgías de power-chords y climáticas progresiones. Live At Leeds ya había demostrado lo poderosos que podían ser estos muchachitos en público; pues Who’s Next viene a probar que también eran capaces arrasar con el estudio. Como es de esperar; Who’s Next ROCKEAAAA.

Hay gente a la que le cuesta digerir el nuevo sonido de The Who en este álbum. Claro, si amas a The Who por canciones sutiles y entretenidas como Happy Jack, Substitute, I’m A Boy o Magic Bus pues estás en problemas con Who’s Next. Los Who experimentales y sutiles de los 60 han pasado a la historia y la nueva década los ha sorprendido con sus nuevos paradigmas de producción, con su tendencia hacia la exageración, la desmesura y la grandiosidad. De hecho, Who’s Next es, desde mi punto de vista, uno de los tres grandes álbumes de 1971 que sentaron los paradigmas de actitud e intención que dominarían los 70’, junto a Sticky Fingers y Led Zeppelin 4. Lo que estos tres álbumes, diferentes musicalmente, tienen en común es la tendencia a exagerar las cosas, inflarlo todo, dejar de lado cualquier tipo de sutileza, con el fin de alcanzar un impacto grandioso, antémico y catárquico en los oyentes. Para abordar esta nueva onda, los Who de Who’s Next no se andan con mucha vuelta y atacan las fibras del oyente por todos sus flancos: toneladas de trallazos metálicos de Pete, una batería de Keith más descontrolada que nunca, sinfónicos sonidos de piano y órgano, espectaculares rugidos de Roger y cantidades industriales de sintetizador se aglomeran resultando en un poderoso torrente sonoro uniforme donde todo es pesado, todo es gigante, todo te aplasta. Y ese es el asunto: al oyente le viene bien de vez en cuando un rock que lo haga explotar desde bien adentro, pero siempre y cuando se balancee con cositas más sutiles y discretas que ofrezcan la posibilidad de escuchar con atención y deleitarse con pequeños matices. Por esta razón, estos nuevos Who (que seguirán con el mismo sonido hasta la muerte de Keith) pueden llegar a ser chocantes y agobiantes para cierto tipo de oyentes.

Pero yo no tengo mayor problema. Admito que toda esta pirotecnia de acordes, tambores y pianos puede cansar después de un rato por su falta de matices y variantes; admito que los riffs de Pete de esta época suenan similares entre sí; admito que la voz de Roger así como a veces es poderosa (Baba O’ Riley), también puede fastidiar (Water) y ciertamente es más agotador escuchar Who’s Next que, por ejemplo, Sell Out. Sin embargo el soberbio nivel compositivo de Pete y la enorme creatividad desplegada por el grupo alcanza y sobra para poner estos paradigmas al servicio de grandes e inolvidables canciones. Hay trallazos metálicos poco sutiles, pero Pete es el aquí el rey del riff y salvo alguna excepción sus ataques están llenos de vida, garra y frescura (en oposición a lo que sucede con álbumes como Presence de Zeppelin); Roger ruge, pero en ese rugido atronador y emotivo se halla su absoluto pico como cantante: de hecho, no es fácil determinar que este Roger es el mismo que cantaba I Don’t Mind unos cinco o seis años atrás. Keith destartala los tambores como un maníaco, pero en esa locura nos procura algunas de las performances más originales y creativas que se hallan hecho en la batería. Y ni hablar de los sintetizadores, la mayor innovación que Who’s Next aporta al mundo de la música. Para un amante del hard-rock la palabra “sintetizador” puede inspirar todo tipo de insultos y maldiciones, pero en este caso Pete les da un excelente y original uso: los sintetizadores no solo no arruinan las canciones sino que en ocasiones realzan su poder rockero y su cadencia rítmica. Así mismo, tampoco TODO se trata de desmesura y bombástica, tal como lo demuestran la exquisita sección media de Bargain o la liviana y cálida viñeta de Goin’ Mobile. En fin: no es el sonido grandioso, uniforme y agobiante de Who’s Next lo que lo hace imperfecto a mis oídos. Al menos no es la principal razón.

Lo que lo hace imperfecto a mis oídos tiene que ver casi exclusivamente con la selección de temas. En principio, un álbum que tiene canciones como Baba O’Riley, Behind Blue Eyes, Bargain y Won’t Get Fooled Again, COEXISTIENDO en el mismo pedazo de plástico, va camino al diez clavado. Sin embargo la realidad es que podría haber sido considerablemente mejor. En su génesis, Who’s Next empezó como una ópera rock multimedia (porque preveía la filmación de una película) de Pete llamada Lifehouse, influida por sus nuevas incursiones en la meditación trascendental oriental. Claro, con Tommy no había tenido suficiente de este tipo de cosas; había que ser MAS pretencioso y mesiánico todavía. No pudo ser: la trama era DEMASIADO compleja y filosófica para ser traducida a un mero álbum de rock, los demás miembros de la banda nunca estuvieron metidos en el asunto y a Pete terminó por darle un ataque de nervios que lo llevó a abortar el proyecto. Claro que en el proceso de componer Lifehouse el tipo sacó de la galera unos cuantos temazos, algunos de los cuales terminaron en Who’s Next. Mi problema es que quedaron afuera algunos temas de Lifehouse que hubieran venido muy bien. El album así como está es excelente... pero no puedo dejar de imaginar cómo hubiera quedado con Naked Eye, con I Don’t Even Know Myself, con Long Live Rock, con Pure And Easy, con Time Is Passing, con The Relay, con Let's See Action. Eh? Digamos que quedó bastante calidad afuera. Si esto hubiera sido un álbum doble... MAMA MIA!

Pero basta, después de todo lo que está afuera está... bueno... afuera. No voy a juzgar un álbum por las canciones que NO tiene ¿Qué clase de tonto creen que soy? El asunto es que en detrimento de estas joyas entraron algunas canciones que, sin ser nunca mediocres, no llaman mucho la atención y cansan un poco. El principal ejemplo es Love Ain’t For Keeping. La canción está bien, tiene una gran melodía, linda letra y bonitos arreglos acústicos. Pero una vez escuché la versión eléctrica cantada por Pete ¡Para qué! En comparación, esta versión parece un demo, una cosita agradable pero insustancial que nunca llega a un clímax que la haga valer. Y también están las dos grandes y épicas baladas de la mitad del álbum que son un problema para casi todos los oyentes, Federico Fernández incluido. Getting In Tune y, sobre todo Song Is Over empiezan MARAVILLOSAMENTE, con melodías indescriptiblemente hermosas, sutiles y emocionales. Pero así como empiezan se degeneran en dinosáuricos “jams-crescendos” en donde la suma de pianos genéricos, melodías repetitivas, rugidos exagerados de Roger y power-chords mal utilizados las torna endebles, rancias y difíciles de digerir. Particularmente molesta me resulta esa torpe repetición de “I’m getting in tune to the straight and narrow” en Getting In Tune y esos sobredramatizados “I’ll sing my song to the wide open spaces” en Song Is Over. Aclaro que no son temas horribles, me gustan y seguramente yo no las hubiera retirado del proyecto, pero sin duda que quedarían mucho mejor sin tanto aporreo rutinario y abusivo sobre el final. Y el tema de las letras tampoco es muy convincente: nadie se puede sentir identificado con semejante pretención semidivina: somos todos pequeños hombres de carne y hueso Pete. También está Goin’ Mobile: mucha gente la odia pero a mí ME ENCANTA. Ojo, la incluyo dentro del grupo de temas insustanciales y ¡Dios! que esos “beep-beeps” y “mobiles” que Pete chilla en la mitad como un disco rayado me sacan de quicio, pero al menos ésta se las arregla para ser distinta a todo: su saltarina pista acústica y la pegadiza melodía vocal son genio puro, así como la inolvidable performance de Moon y los brillantes sintetizadores.

Y así quedamos: dos canciones agradables pero bastante insustanciales (sobre todo Love Ain’t For Keeping) más un par de himnos sobrepasados de rosca. Cuatro razones por las cuales Who’s Next no termina de cerrarme. Igualmente las otras cinco canciones son fabulosas. Y cuando digo fabulosas, me estoy refiriendo a que son EXTRAORDINARIAS, al punto que las considero entre las mejores canciones de la década y me hacen ponerle al disco un 9+ a pesar de todas sus debilidades. Considerenme fanático de My Wife, la cual me parece la mejor composición de John Entwistle: es un rocker bizarro repleto de trompetas y demoledores riffs en el cual el bajista pide protección contra su esposa, quien lo persigue por haberse escapado de la casa a tomar alcohol. En principio puede sonar un tanto irritante, sobre todo por el tono de la voz de John, pero las sucesivas escuchas dan cuenta de una melodía muy adictiva (no lejos de la onda de Heaven And Hell) y un aire trepidante, frenético y de últimatum absolutamente impagable. Y qué bueno tener una cosa graciosa y humorística así para cortar un poco con la solemnidad de Townshend.

Pero claro, My Wife no es exactamente un clásico de clásicos, a pesar de ser una favorita del público en los recitales. Para eso tenemos las restantes cuatro canciones que son TEMAZOS incomparables. Podremos insistir con las fallas de Who’s Next durante años, pero es difícil negar que es en este álbum y en ningún otro donde se encuentran las mejores composiciones del grupo de todos los tiempos. Una de ellas es la BESTIAL Bargain, un himno espiritual IMPONENTE que palpita de emoción y en cada nota. La letra juega con los conflictos espirituales de Pete, pero también podemos interpretarla a nivel más universal como un canto a la búsqueda del amor verdadero, y eso, gente, hace que la cosa resuene como la granputa, sobre todo en la adolescencia. Musicalmente podría sonar como un rocker un tanto genérico, de no ser porque Keith Moon se manda una performance DEVASTADORA y porque cuando Roger explota en nuestros oídos con la inolvidable frase “The best I ever haaaaaaaaaaaaaaaaaaad” sabemos que estamos ante una legendaria canción. Pero la parte que más me gusta, la que me hace temblar de pura emoción, es el sobrio pero hermoso middle eight cantado por Pete donde aparece de la nada una SUBLIME melodía de sintetizador. Y ni hablar ya de Behind Blue Eyes, una de las baladas mas atormentadas, torturadas y desgarradoras que jamás haya escuchado. No quiero decir que me identifico plenamente con la oscura psiquis de la letra, pero a veces esa sensación que la canción transmite, de no ser comprendido por nadie, de estar solo y de tener miedo a la gente se mete debajo mi piel y me pega como cien caños. El dolor, la soledad, el miedo, la ira que destila esta cosa es algo que hay que escuchar para creer; es una de las cosas más emocionalmente resonantes que Pete haya escrito. Y la música crea el clima de forma perfecta, pasando de una balada oscura a un feroz rocker catárquico en un glorioso segundo. Me molesta un poco el tono de voz que adquiere Roger en la parte rockera: suena demasiado machón y tosco para mi gusto. La versión alternativa que aparece al final entre los bonus tracks es mejor en este sentido, Roger canta la parte heavy mucho mejor, y además agrega un FENOMENAL acorde eléctrico al final la frase “And my dreams they aren’t as empty / As my concience seems to be”... BAM!!! Un peligroso acorde de Pete que parece concentrar toda la vena, toda la ira, toda la rabia que permanecía latente en la canción, antes de lanzarse de lleno a la sección rockera. Claro, yo escuché primero esta versión alternativa y me cuesta acostumbrarme a la versión original: simplemente no puedo vivir sin ese acorde.

Pero como si esto no fuera suficiente, Who’s Next nos ofrece lo que seguramente es el mejor dúo de apertura y cierre jamás puesto en un álbum de rock. Tanto la apertura Baba O’Riley como el epílogo de Won’t Get Fooled Again son demoledoras épicas incomprables y parece mentira que tamaños himnos formen parte del mismo álbum. La descomunal Baba O’ Riley en particular se me antoja una composición PERFECTA en todo sentido, desde el hecho de que es totalmente original hasta que rockea como cien demonios y es tan emocionante que puede arrancarme lágrimas. El loop de sintetizador que sirve de introducción suena confuso y retorcido la primera vez, pero una vez que te acostumbras esas primeras notas son instantáneamente clásicas. Pero es difícil detacar una parte sobre otra: son cinco minutos de éxtasis y rebelión juvenil que apenas puedo cuadrar con palabras de lo pequeño que me siento ante su imponencia. ¿Qué es mejor? ¿La INCOMPARABLE performance vocal de Roger, que canta con alma y vida? ¿El CELESTIAL solo de guitarra de Pete? ¿El descomunal crecsendo final con violines? ¡WAW! Ni idea! Solo sepan que si en algún momento quieren escuchar la DEFINICION de épico, prueben con Baba O Riley. O si no con Won’t Get Fooled Again, una épica aun más extraordinaria que concentra en ocho legendarios minutos toda la energía rockera que los Who podían entregar. Ésta también se basa en un loop de sintetizador, aún más clásico y memorable que el de Baba O Riley; esos primeros segundos de la canción son inolvidables: cada vez que los escucho siento erizarse toda mi piel ¡Y Pete! ¿Qué puedo decir yo sobre lo SALVAJES y VICIOSOS que son sus riffs / solos / feedbacks / arpegios en todo momento y lugar? ¡Y Keith! ¿Cómo expresar lo asombrosa que suena su batería? El resultado es hard-rock en su máxima expresión, una locomotora aplastante que despedaza todo en su avance vicioso y avasallante. La letra es un potente y devastador manifiesto anti-revolución y anti-política en donde Pete critica con indecible vena e ira todos los proyectos revolucionarios de la historia que no condujeron a otra cosa que a la miseria, la opresión y la mentira. “No seremos engañados de nuevo” clama Roger Daltrey, y es un grito tan poderoso que me sacude aún hoy cuando veo todas las manipulaciones y abusos del poder polítco para su gente. Y si quieren escuchar algo REALMENTE DESGARRADOR esperen hasta el final, donde Roger Daltrey se manda el más IMPONENTE y ATERRADOR alarido de rock jamás grabado. ¿Qué? ¿Esto dura OCHO minutos? ¡Parecen tres! Increíble. Obviamente, la canción DEFINITIVA de The Who.

Como ya es costumbre, Who’s Next trae algunos bonus tracks. Hay una versión de Pure And Easy, un tema no muy alejado del espíritu de Song Is Over pero con una melodía superior. Igualmente esta toma no es tan buena ni pulida como la de Odds And Sods. También hay versiones en vivo de Water y Naked Eye, el primero un rocker un tanto estúpido con horribles vocales de Roger y el segundo una de las épicas más trascendentales y poderosas del grupo que aún no me cabe cómo fue dejada de lado. La versión de Baby Don’t You Do It es mejor que la de Odds And Sods pero realmente esta canción no hace mucho por mí; los riffs de Pete así como te vuelan la cabeza también pueden cansarte. Too Much Of Anything es una balada de Lifehouse también descartada de Who’s Next, que no cae en el sinfonismo aparatoso de Song Is Over o Getting In Tune pero que tampoco es gran cosa. Ya mencioné la versión alternativa de Behind Blue Eyes que, en mi opinión, supera a la original. Mi favorita de todo este lote es la magnífica I Don’t Even Know Myself que cuenta con una introducción EJEMPLAR de armónica y una excelente melodía, de esas que entusiasman.

Y bueno. Para muchos este es el mejor álbum de The Who y ciertamente HAY algo de verdad en eso. Los puntos altos son increíbles y superan cualquier cosa que los Who hayan hecho antes o después. Quizá no merezca tanta reputación por lo insustancial o exagerado de los temas menos estelares, pero cualquier discoteca de rock clásico sin Who’s Next es... cómo decirlo... NO EXISTE.

Sección COMENTARIOS DE LECTORES sobre WHO'S NEXT!

Quadrophenia – 1973

9+/10

"Have you seen the real me mother?"

1) I Am The Sea; 2) The Real Me; 3) Quadrophenia; 4) Cut My Hair; 5) The Punk And The Godfather; 6) I'm One; 7) The Dirty Jobs; 8) Helpless Dancer; 9) Is It In My Head; 10) I've Had Enough; 11) 5:15; 12) Sea And Sand; 13) Drowned; 14) Bell Boy; 15) Doctor Jimmy; 16) The Rock; 17) Love Reign O'er Me.

mejor canción: The punk and the godfather

Lo confieso: una GRAN parte de mi quiere darle un diez a este formidable disco doble. Es que en ciertos aspectos Quadrophenia es TAN perfecto que a veces prefiero olvidarme de sus escasos defectos y subirme al caballito de quienes piensan que esta es la obra definitiva de The Who. Claro, no puedo: después de todo otra parte de mí siente que no todo salió tan bien para Pete, pero eso lo sistematizaré más adelante.

Quadrophenia es otra ópera rock, la segunda de The Who después de ya-saben-cuál. Y claro, después del éxito arrasador de Tomás juega al Pinball era bastante predecible que Pete volvería a ahondar en este tipo de cosas. El fracaso de Lifehouse fue un grave traspié, pero parece que Townshend es un tipo bastante persistente y aquí lo tenemos de nuevo: componiendo él solito un flamante y espectacular álbum conceptual (letra y música) a los veintisiete años de edad. Diría que bastante bien ¿No? Me pregunto que estaremos haciendo nosotros a los veitisiete. Por fortuna, al concebir Quadrophenia Pete se cuidó muy bien de los Magos del Pinball y los Espejos Mágicos y los Campamentos de Vacaciones y todo ese tipo de pirotecnia; se trata de un concepto muchísimo más profundo, personal y emocional en cuya comparación toda la epopeya de Tommy parece una lastimera telenovela venezolana. Había dicho que la historia de Tommy no irritaba mi inteligencia porque entendía que su estupidez y exageración era más o menos aceptable dentro del marco de una ópera rock. Pero claro, ¿Para qué quiero ese tipo de cosas si puedo optar antes por un desgarrador y reflexivo poema sobre la adolescencia como lo es Quad? Así es: en un aspecto puramente conceptual, Quadrophenia APLASTA a su antecesor y a cualquier otro álbum de la banda.

Lo cual no significa que el concepto sea mucho menos rebuscado que el de Tommy. El protagonista de Quadrophenia, llamado Jimmy (Al parecer, a Pete no le quedaba mucho tiempo para pensar los nombres de sus héroes) no solo es un adolescente esquizofrénico, sino que es ¡QUADROFÉNICO! O sea, se debate entre cuatro personalidades y no tiene la menor idea de cuál es su veradera identidad. Pero esto es solo el principio: cada personalidad de Jimmy está representada por un miembro de la banda (Pete, Roger, John o Keith), y a su vez cada uno de ellos se identifica con un tema musical que aparece varias veces entre las canciones. ¡JA-JA! ¡Ahí el cretino de Pete tiene un concepto rebuscado para VOS! Obviamente no tengo la menor idea en qué consisten estas cuatro personalidades de Jimmy y la verdad es que me importa un cuerno; mi recomendación para el oyente es que se olvide de este aspecto pseudointelectual del disco y lo tome simplemente como una contundente, vívida, inteligente y hermosa semblanza de la adolescencia y las encrucijadas terribles que esta etapa de la vida presenta. Yo mismo, siendo un adolescente y habiendo pasado alguna vez por esos momentos en los cuales todo es una mierda, todo deja de tener sentido y no tenés la menor idea de qué carajo que querés hacer con tu vida, puedo asegurar que las letras de Pete en Quadrophenia son de lo mejor que haya dado el rock. Profundas, sabias, cuestionadoras, duras, irónicas, desesperadas... Nunca antes, y ciertamente nunca después, fueron la ira, la urgencia y la confusión del adolescente plasmadas de forma tan brillante en un álbum de rock. Jimmy no sabe exactamtente quién es ni qué quiere; por momentos se siente un gusano insignificante, al día siguiente cree que puede tomar al mundo por asalto. De a ratos quiere seguir las modas de sus amigos, pero de repente se detiene y se da cuenta que todo es absolutamente falso. Borracheras, peleas callejeras, sexo, drogas... nada de eso parece real, nada en el mundo parece querer encajar con Jimmy, quien lo único que necesita con desesperación es un amor verdadero. La historia sugiere que al final Jimmy huye hacia el mar y llega a una isla lejana donde encuentra, al fin, la verdad de la vida, pero eso le costará la vida misma. No importa mucho el final, lo importante ya se ha dicho. Es un concepto hermoso, muy actual y muy importante. Con todo lo que me gusta The Wall de Pink Floyd, la ópera-rock mas parecida a ésta, debo decir que no tiene NADA que hacer con Quadrophenia. Y les digo; en general las letras de las canciones no me resultan muy importantes para juzgar un álbum, pero en esta ópera cumplen un papel fundamental y línea a línea que voy escuchando siento escalofríos en la espalda.

Ejemplos hay a cada rato: “Why do I have to move with a crowd / Of kids that hardly notice when I’m around / I have to work myself to death just to fit in” (Cut My Hair); “I got a Gibson without a case / But I can’t get that even tan look on my face / Ill fitting clothes, I blend in the crowd / Fingers so clumsy, voice too loud” (I’m One); “I’ve had enough of dancehalls / I’ve had enough of pills / I’ve had enough of streetfights / I’ve seen my share of kills / I’m finished with the fashions / And acting like I’m tough / I’m bored with hate and passion / I’ve had enough of trying to love” (I’ve Had Enough); “Girls of fifteen, sexually knowing / The ushers are sniffin, eau-de-cologning / The seats are seductive, celibate sitting / Pretty girls digging prettier women” (5:15); “The girl I love she’s a perfect dresser / Wears every fashion, gets it to the tee / Heavens above I got to match her / She knows just how she wants her man to be, leave it to me” o “So how come the other tickets look much better / Without a penny to spend they dress to the letter / How come the girls come on oh so cool / Yet when you meet’em every one’s a fool?” (Sea And Sand) “Is it me? / For a moment / The stars are falling / The heat is rising / The past is calling” (Doctor Jimmy). Y aquí me detengo porque serían infinitas las frases emotivas que Pete arroja en estas canciones. Evidentemente el tipo entendía exactamente qué es realmente ser un pendejo de diecitantos años arrojado en medio de este falso y egoísta mundo. El resultado es el álbum más emocionalmente resonante de todos los tiempos.

Ahora bien, resulta contradictorio que habiendo elegido un tema tan personal y profundo, Pete se haya inclinado, siguiendo las tendencias de Who’s Next, por una música tan pomposa, grandiosa e inflada. Y aquí aparecen los primeros rastros de que no todo es tan perfecto. En general la música de Quadrophenia es EXCELENTE en su mayor parte, con algunos de los más fascinantes rockers y baladas jamás concebidas por Townshend y las melodías más potentes y bellas que puedan imaginarse. Pero es cierto también que un concepto tan meditabundo y reflexivo necesitaba un poco más de sutileza, calma y sobriedad en los arreglos, después de todo ya no estamos hablando de aspiraciones mesiánicas universales a la Song Is Over sino de humildes reflexiones sobre la vida y los valores de la juventud. Entonces: la música está bien y las brillantes melodías garantizan que no sea monótona, pero cae con muchísima frecuencia en excesos de sobreproducción: los prominentes sintetizadores y bronces (sí, a Pete le encantó la idea de los sintetizadores) dan un intensidad inolvidable a algunas canciones (The Real Me, 5:15) pero se tornan molestos en otras (Helpless Dancer, Doctor Jimmy); los riffs de guitarra pueden ser inolvidables (The Real Me, The Punk And The Godfather) pero en repetidas ocasiones se vuelven insulsos y machacones (Sea And Sand, I Had Enough, Drowned) y la sobreproducción tiende a hacer demasiado monolíticas y exageradas a algunas muy buenas canciones (Doctor Jimmy; Drowned). Ese es básicamente el asunto: habría que haber balanceado un poco más la producción hacia terrenos de mayor sutileza: tanto bronce, power-chord, sintetizador y redoblante puede hacerse empalagoso para una historia tan humilde. Es en ese sentido que prefiero a Tommy como álbum de estudio, ya que si bien no puede jactarse de ser tan emotivo o de tener mejores canciones, funciona mejor como álbum de rock: donde Quadrophenia suena a veces rancio y excesivo, Tommy suena luminoso y fresco. Pero eso es todo: en general los sintetizadores son efectivos y usados con maestría, los bronces patean traseros a cada rato, las melodías son maravillosas, los riffs de Pete parecen hechos por dioses, Moon la descose demostrando por qué era el mejor del mundo, Roger Daltrey canta con una polenta increíble y John Entwhistle da una cátedra definitiva de cómo se toca el bajo.

A diferencia de Tommy, Quadrophenia no utiliza esos pequeños “intermezzos” entre canción y canción para presentar personajes o hacer avanzar la historia. Nada de eso: todas las canciones son de larga duración, grandes y significativas. En general fluyen de forma excelente y funcionan a la perfección como temas individuales, agregando un puñado de clásicos inmortales al repertorio de la banda. La apertura con I Am The Sea no es más que un trasfondo de oleaje oceánico sobre el cual se enumeran brevemente los cuatro temas principales del álbum. Como dije antes, el asunto de “los cuatro temas” es algo un tanto confuso; en realidad es lo mismo que ocurría en Tommy con los temas de Sparks, See Me Feel Me y Listening To You, solo que aquí estos cuatro temas no solo aparecen aleatoriamente en distintos puntos del álbum sino que también tienen su propio espacio titular. Es así que Helpless Dancer es la canción de Roger, Bell Boy es la canción de Keith, Is It Me? (que aparece dentro de Doctor Jimmy) es la canción de John y Love Reign O’er Me es la canción de Pete. Ojo! Todas estas melodías las compuso Pete, por eso no sé bien qué tanto aspaviento con darle un tema a cada miembro del grupo. La verdadera cuestión es que estos cuatro temas son positivamente gloriosos y el efecto de escucharlos intercalados a lo largo de todo el álbum como si se tratara de una sinfonía es simplemente fantástico.

No en I Am The Sea , donde simplemente se reducen a un par de frases antes de la VERDADERA apertura con la explosiva The Real Me, una de las más demoledoras y emocionantes canciones jamás escritas por Pete. Se nos presenta en toda su cruda realidad la situación de Jimmy; evidentemente las cosas no andan bien en su cabeza. Los riffs de Pete son totalmente primitivos, pero están tocados con una vena y una furia tal que me hacen saltar de la silla y las líneas de bajo de John Entwistle deberían ser estudiadas minuciosamente por todo bajista vivo sobre la faz de la tierra: las escuché setenta mil veces, pero cada nueva escucha me saca el alma del cuerpo. Sumado a los majestuosos bronces (también de John) la cosa arrastra toda una montaña de sensaciones que más de una vez me han dejado la mandíbula temblando. Y la experiencia de este álbum apenas está empezando. Enseguida llega la pista titular, un BRILLANTE instrumental que parece una verdadera sinfonía, donde Pete combina los mencionados cuatro temas principales de una forma impecable: no hay mejor canción para identificar estas cuatro melodías en toda su magnificencia. El primer riff es Bell Boy, el tema de Keith y es sencillamente una forma GLORIOSA de comenzar el tema; en seguida llega la HERMOSA melodía de Is It Me?, el tema de John. El tema de Roger, Helpless Dancer es fácilmente identeficable por un complicado solo de sintetizador al que se le van sumando contramelodías de guitarras y más sintetizadores. Y todo cierra de forma majestuosa con el tema de Pete Love Reign O’er Me, una IMPONENTE melodía de sintetizadores que anticipa deliciosamente las cosas más grandes que están por venir.

Excelente manera de abrir el álbum. Pero las cosas siguen en gran nivel durante los siguientes tracks, especialmente en la hermosa Cut My Hair, con uno de los estribillos más poderosos y pegadizos que haya escuchado en mi vida, donde los staccatos de Pete hacen saltar todo y la voz de Roger destila fuerza y confianza. Interesante también como en el fade out se puede escuchar un televisor encendido ¿A qué les hace acordar? A The Wall, claro... ahora sabemos de dónde sacó Waters algunas ideas. El momento más estelar del álbum es, según mi importantísima opinión, el adictivo rocker The Punk And The Godfather; no termino de entender la función que cumple esta canción dentro de la trama (tiene algo que ver con las irreconciliables diferencias entre las estrellas de rock y su público y, en todo caso, las letras son perfectas) pero ¡Madre santa que esta cosa rockea! El riff es sensacional, Roger se manda la performance definitiva de su carrera, cantando con una convicción y una ira que hay que escuchar para creer, John nuevamente la mata en el bajo (debe haber tenido que tirar el pobre instrumento a la basura después de esta toma) y Pete se lastima las manos con sus inacabables ataques. Todo alcanza su clímax en el reposado y HERMOSO middle-eight de Pete, con una de las melodías más etéreas y conmovedoras del álbum, y el efecto que se produce al volver de este intermezzo melódico al riff principal es sencillamente DEVASTADORA, y te va a tener saltando de una pared a otra de tu habitación.

Luego de este inmejorable comienzo las cosas empiezan de ser “absolutamente geniales” a “moderadamente geniales”. I’m one es otro gran himno de Pete, pero aquí solo las letras están a la altura; la música es agradable pero nada del otro mundo. The Dirty Jobs, encargada de retratar los empleos fastidiosos que el adolescente debe hacer, me gusta bastante más; la mayoría suele considerarla relleno puro y yo podría decir lo mismo de no ser por otro ESTUPENDO estribillo, donde la melodía es tan original y atractiva que tuve que escucharlo varias veces hasta poder creerlo. Helpless Dancer, el “tema de Roger”, es la única canción del álbum que podría vivir sin. El solemne y plomo corno francés que sirve de introducción no me resulta particularmente memorable y aunque la melodía principal funciona a la perfección en los instrumentales de Quadrophenia y The Rock, acá la voz excesivamente teatral de Roger aurrina un poco la cosa. Este es el tipo de canciones por las cuales no puedo darle un diez al álbum. Is It In My Head es mucho mejor, aunque no está entre las más sobresalientes del álbum; se trata de una balada épica muy en la vena de Song Is Over y Getting In Tune, solo que bastante más moderada y con un gran estribillo. Para culminar el primer CD tenemos la mini-suite de I’ve Had Enough, que agrupa tres melodías totalmente diferentes: una trepidante sección rockera, potente pero no demasiado inspirada, el hermoso tema de Pete Love’ Reign O’er Me y un fantástico fraseo con ¡banjos! y ¡tablas! que resulta ser una de las más hermosas melodías del disco y también uno de los momentos líricos más terminantes y duros.

La verdad es que el segundo CD no puede mantener la calidad del primero, aún con un clásico inolvidable como 5:15 como apertura. Este rocker es, con justicia, uno de los clásicos eternos de The Who. La introducción es un efectivo reprise de Cut My Hair que enseguida explota en un rocker bombástico (con bronces y furibundos pianos) con un nivel de energía comparable al de cosas como Won’t Get Fooled Again. Se trata del momento más iracundo, salvaje, sexual y catárquico de todo el álbum. Los primeros versos son particularmente poderosos: “Girls of fifteen, sexually knowing”... no solo por la DEMOLEDORA fuerza de Daltrey, sino porque... ejem... ¡¿A quién no le calientan las chicas de quince cuando se hacen un poco las seductoras?! Eh? Qué bien que Pete también diera cuenta de ESTE aspecto de la adolescencia. En todo caso, tenemos este maravilloso rocker cargado de tensión sexual, donde tanto Keith Moon y John Entwistle demuestran al mundo por qué son la sección rítmica más espectacular que jamás tocara. Hay que prestar atención a los FASCINANTES trucos que hace Keith bien sobre el final, donde pareciera estar imitando el avance de un tren sobre los rieles. Y como si eso fuera poco ¡Pete se manda un solo! Clásico. Sea And Sand, si bien tiene una de las mejores y más devastadoras letras jamás escritas por Pete, es un rocker un poco ordinario y pálido con un estribillo tomado de I’ve Had Enough, exepción hecha de la parte de “The girl I love...” que es SUBLIME. Es la canción más desesperadamente romántica del álbum, así que al menos tenemos asegurada una gran resonancia emocional. El rocker Drowned tampoco es muy memorable, aunque la melodía se hace bastante agradable después de algunas escuchas (Hay un reprise del riff de 5:15 aquí, presten atención). Pete le tenía un gran aprecio y la convirtió en uno de sus números en vivo favoritos.

Es a partir de Bell Boy que el álbum retoma la aplastante carga emocional que había tenido al principio. Bell Boy, donde Jimmy se encuentra a un ex-líder de su juventud trabajando de botones en un hotel, es otra de mis favoritas. El riff principal, aunque simple, es increíblemente penetrante y ni hablar de la pista vocal de Roger (“A beach is a place where a man can feel / He’s the only soul in the world that’s real"). Particularmente impactante me resulta el uso de los sintetizadores, que le dan a la canción un aire etéreo y trascendente. El estribillo, con Keith Moon cantando, es otro momento memorable. La monolítica épica de ocho minutos, Doctor Jimmy es uno de los momentos críticos del álbum, ya que Jimmy empieza a perder seriamente la cabeza y a concluir que todo en su mundo se ha derrumbado definitivamente. Musicalmente es muy buena, pero es un tanto excesiva y operística para mi gusto, sobre todo por la cantidad de bronces y sintetizadores que incluye. El frenético y pegadizo estribillo “Doctor Jimmy and Mister Jim / When I’m pilled you don’t notice him” es la única parte de la canción que realmente me vuela los sesos, además del precioso y reflexivo intermezzo de Is It Me?, un momento donde la vorágine asesina de la canción pareciera detenerse a favor de una reflexión pacífica y madura. El recurso musical de Is It Me me recuerda bastante a See Me Feel Me del álbum Tommy, pero al mismo tiempo me gusta más esta “actualización”. Doctor Jimmy, aunque cansadora y dinosáurica es emocionalmente APLASTANTE. Acercándonos ya al final, The Rock es un nuevo intrumental similar a Quadrophenia, donde Pete vuelve a mezclar los cuatro temas principales, aunque sin dar la impresión que es un Quadrophenia 2. El tipo tenía inventiva.

Y entonces sí, llega el grand finale de Love Reign O’er Me, la más hermosa, eterna y majestuosa melodía de Quadrophenia, donde vemos a Jimmy acostado sobre una isla en medio del mar, esperando que la marea se lo lleve para siempre. Esta melodía ya había aparecido varias veces en el álbum, pero solo al llegar aquí nos damos cuenta de cuán potente y solemne es. La intensidad, la emotividad, la catarsis que despliega esta épica de seis minutos todavía debe ser igualada en el mundo del rock; desde la impresionante cascada de piano del principio hasta los poderosos gritos de Roger sobre el final, la cosa aplasta todas nuestras sensaciones y nos revela que todo en nuestro mundo es falso, es efímero y se desploma enseguida con los vaivenes del viento: solo el amor verdadero puede darle sentido a la vida. Sobre el final, Roger nos canta unas hermosas líneas de sufrimiento mezclado con esperanza que, en su contexto, suenan como lo más trascendental, hermoso y verdadero que se haya escrito en un álbum de rock:

“On the dry and dusty road

The nights we spend apart alone
I need to get back home to cool cool rain.
The nights are hot and black as ink
I can't sleep and I lay and I think
Oh God, I need a drink of cool cool rain”.

Y yo no tengo mucho más para decir.

Sección COMENTARIOS DE LECTORES sobre QUADROPHENIA!

Odds And Sods – 1974

8-/10

"But it don't really happens that way at all"

1) I'm The Face; 2) Leaving Here; 3) Baby Don't You Do It; 4) Summertime Blues; 5) Under My Thumb; 6) Mary Anne With The Shaky Hand; 7) My Way; 8) Faith In Something Bigger; 9) Glow Girl; 10) Little Billy; 11) Young Man Blues; 12) Cousin Kevin Model Child; 13) Love Ain't For Keeping; 14) Time Is Passing; 15) Pure And Easy; 16) Too Much Of Anything; 17) Long Live Rock; 18) Put The Money Down; 19) We Close Tonight; 20) Postcard; 21) Now I'm A Farmer; 22) Water; 23) Naked Eye.

mejor canción: Naked eye

En 1974, los Who estaban sin material fresco para un nuevo álbum y, para colmo, la inmensa cantidad de temas inéditos y rarezas varias que habían acumulado para estas épocas estaba circulando sin control en múltiples bootlegs de mala calidad que los fans consumían famélicamente. Un doble problema con una sola solución: esta curiosa compilación llamada Odds And Sods, que por un lado llena el vacío ocasionado a falta de álbum nuevo y, por el otro, publica oficialmente un buen puñado de temas oscuros y no tan oscuros que andaban perdidos por ahí. Originalmente Odds And Sods, recopilado por John Entwistle en 1974, contenía solo once canciones, lo cual era francamente una tomada de pelo teniendo en cuenta la CANTIDAD de inéditas interesantes que tenía el grupo por aquel entonces. Una reciente re-edición se encarga de remendar tal error, agregando la nada despreciable cifra de ¡DOCE! canciones nuevas, reordenando el track-list en orden cronológico. Jaja ¡A esto le llamo yo un álbum con bonus tracks! El resultado es una compilación sumamente variada que, si bien es demasiado irregular y desarticulada para ser considerada infaltable, contiene un puñado de clásicos del grupo que ningún fan puede darse el lujo de omitir.

Dicho esto, Odds And Sods está MUY lejos de ser la compilación definitiva de The Who. El problema con esta condenada banda es que tiene una carga INGENTE de singles que no aparecen en LP’s y una carga ENORME de canciones descolgadas y outakes. Odds And Sods solo brinda arbitrariamente una pequeña parte de todo ese arsenal de rarezas y aún en día no existe una sola maldita colección que aglutine TODAS las rarezas y singles. Este álbum se concentra más en los descartes de sesiones anteriores que en los singles: es decir, en canciones (como Naked Eye o Pure And Easy) que nunca antes habían visto la luz, ni en single ni en LP’s. Muchas de estas no se hallan aquí porque se han agregado como bonus tracks en álbumes anteriores (Melancholia, Desguises, I Don’t Even Know Myself) pero también hay canciones que al mismo tiempo aparecen aquí y como bonus en otros álbumes (Too Much Of Anything) Así mismo, hay rarezas que no aparecen ni aquí ni en ningún otro álbum (Relay, Let’s See Action). Y ni hablar de los famosos singles y oscuras caras B... Todos esos están diseminados en otras cuantas compilaciones, grandes éxitos y box-sets ¡Qué fastidioso que es el catálogo de The Who! ¡Por favor! ¿Quién lo diseñó? ¿¡¿Homero Simpson?!?

Ok, basta ya con eso porque estoy seguro que voy a marear a muchos (incluída mi persona). Para resumir, Odds And Sods ofrece unas cuantas rarezas perdidas y un par de singles interesantes agrupados en un largo y variopinto LP que si bien es una lotería, también es un gran entretenimiento; de hecho se trata de una de las mejores colecciones de outakes que me ha tocado escuchar. Los puntos más altos están a la altura de cualquier clásico de The Who. Por ejemplo Naked Eye, un temazo cuyos bosquejos podemos escuchar ya en el jam de My Generation de Live At Leeds, es sin lugar a dudas el último clásico verdadero de la banda y todavía no me entra en la cabeza por qué DIANTRES no entró para Who’s Next. No solo transmite la vena solemne y trascendente de aquel álbum sino que está en la categoría de cualquier Behind Blue Eyes o Baba O’ Riley. Se trata de un rocker fascinante y mordaz con una fenomenal performance vocal de Roger, una genial y atípica aparición de teclados jazzeros y un clásico riff de Pete que patea culos por kilogramo. La segunda mitad de la canción es un crescendo simple pero increíblemente melódico y emocional. Clásico absoluto. Otro descarte del proyecto Lifehouse es la magnífica Pure And Easy en su versión más lograda; la re-edición de Who’s Next incluye su propia versión, pero ésta es la POSTA, la DEFINITIVA. La pomposidad de sus arreglos y la universalidad de su letra la acercan a la onda dinosáurica de Song Is Over, pero en mi opinión el tema nunca se anquilosa demasiado y además ¿Quién puede resistirse a esa melodía? ¿”I listened and I heard music in a word / And words when you play your guitar”? ¿EHHH? Una de esas melodías que SE DERRITEN en nuestros oídos. El último gran mojón de Odds And Sods es el clásico cantado por Pete Long Live Rock, uno de los pocos temas de aquí que fueron publicados como singles. A mis oídos se trata de un rock and roll pedestre y no demasiado logrado: los arreglos suenan lentos, torpes y faltos de gracia. Evidentemente los Who que yo conozco pueden rockear mejor que esto, más allá de que el tema en sí sea un decente tributo al rock como género.

Pero aunque estas tres sean las más famosas de Odds And Sods, todavía hay música para rato. Entre las curiosidades más tempranas tenemos el primerísimo single de los Who ¿I Can’t Explain? NO!, I’m The Face, un pegadizo número de rhythm and blues de cuando los Who eran conocidos como The High Numbers y se identificaban con el movimiento de los Mods de Londres (una cierta pandilla de drogados rebeldes). La canción es tonta, pero la música en sí está perfecta y demuestra que The Who tenía potencial para competir con los Stones en este tipo de música. Los intentos similares de este período, sin embargo, no son gran cosa. Leaving Here tiene un buen riff y un estribillo pegadizo, pero el cover de Marvin Gaye Baby Don’t You Do It es de lo más BOBO que haya grabado el grupo: “Ahhhh baby don’t you do it, don’t do it baby, don’t you break my heart!” Buh!!! ¡Qué mala canción! Para una versión un poco más rockera consultar los bonus tracks de Who’s Next, pero es lo mismo... una canción con esa melodía NUNCA va a ser gran cosa. Otros covers incluyen la disfrutable My Way de Eddie Cochran, Young Man Blues y Summertime Blues, en sus versiones originales (Summertime Blues fue single en 1970), que aunque decentes suenan tímidas y somnolientas en comparación a las SISMICAS versiones de Live At Leeds. ¡Ah! Y también una de las rarezas más raras de los Who: el cover de Under My Thumb de los Rolling Stones, publicado junto a The Last Time en solidaridad con sus colegas Mick, Keith y Brian, arrestados por posesión de sustancias ilícitas. Obviamente, tamaño clásico no se arruina así nomás pero esta versión es terriblemente chapucera y desaliñada, sin contar que sin sus clásicas marimbas (Y sin Entwistle que estaba de vacaciones) no hay chance que funcione.

De los días de Sell Out tenemos una versión con órgano de Mary Anne With The Shaky Hand que si bien no puede competir con la acústica original es bastante buena. Desde que esta toma fue publicada como bonus en The Who Sell Out se hace un poco redundante aquí, lo mismo que ocurre con la respetable Glow Girl, que contiene el embrión de lo que sería It’s a boy de Tommy, solo que aquí... “¡It’s a girl! Mrs. Walker ¡It’s a girl!”. Me pregunto como pesaba Pete llamar a su heroína ¿Annie? ¿Tillie? ¿Winnie? Algo por el estilo seguro. No redundantes son Little Billy, un brillante jingle anti-tabaco que debería haber aparecido entre los temas titulares The Who Sell Out, y que incluye adictivos “A-ha-haha. A-ha-haha, Little Billy doesn’t mind” contando una TETRICA historia de cigarrillos, cáncer y muerte. De hecho, la organización que la encargó no la aceptó porque era demasiado tenebrosa. Me pregunto si alguno de los Who fumaba; si lo hacían eran unos cínicos totales. Pero la mejor de todo este lote es la hermosa e ingenua Faith In Something Bigger, otra que no hubiera desentonado para nada en Who Sell Out, con ese aire naive y esas fantásticas armonías vocales.

De las óperas Tommy y Quadrophenia tenemos un par de outakes. De Tommy tenemos la pegadiza Kousin Kevin Model Child que se suponía iba a ser la intro para Cousin Kevin pero por algún motivo fue retirada del proyecto. Se trata de otro de esos números humorosos de Entwislte, donde describe de forma maestra a Kevin como “el niño modelo que hace todo bien”. El coro del final es irresistible como un helado de sambayón: creo que debería haber aparecido en Tommy. El descarte de Quad, We Close Tonight, por el contrario, no se extraña demasiado ya que su temática y melodía son similares a la ultra-superior Bell Boy. Igualmente, no es nada horrendo y tiene un par de ganchos pegadizos para salvar.

Y después, más y más descartes de Lifehouse. Además de Naked Eye y Pure And Easy tenemos la melódica y antémica Time Is Passing, con una melódica clásica que parece mentira que haya sido hecha por Pete, suena como algo que existió siempre; Too Much Of Anything, una agradable pero rutinaria balada que ya está entre los bonus de Who’s Next; Put The Money Down, un rocker que si bien tiene una buena melodía en el estribillo (“Before I walk on the water, put the money down”), no le hace ni sombra a al similar I Don’t Even Know Myself ; la DEVASTADORA versión eléctrica de Love Ain’t For Keeping cantada por Townshend (con la guitarra invitada de Leslie West) que nos revela la verdadera grandeza de dicha canción, y el espectacular rocker Water que, si bien contiene una letra embarazosamente tonta y una perfomance demasiado chillona y rasposa de Roger, ostenta una de las más brillantes melodías de guitarra de Pete y un solo eléctrico sobre el final cuyo sonido es verdaderamente prodigioso. Las versiones en vivo de Water, una de las cuales se puede hallar entre los bonus tracks de Who’s Next, son muchísimo más épicas, pero ahí Roger directamente LADRA y Pete se entusiasma demasiado con sus power-chords. Me quedo con esta económica e inolvidable versión original (Creo que fue lado B del single 5:15 en Europa), también porque al final de del tema, luego de que Roger dejara bien en claro que lo que necesita es WATER (Agua) algún desaforado borracho empieza a gritar “¡Champagne! ¡Champagne!” Apuesto MI OREJA a que fue Keith Moon. Faltarían I Don’t Even Know Myself, Let’s See Action y The Relay para tener completa la serie de temas de Lifehouse que (lamentablemente) no entraron en Who’s Next. Andá a encontrarlas.

Me quedan descolgadas un par de cositas que aparecen sobre el final: La extravagante Postcard es otra composición de John y aunque todo el mundo parece empeñado en maltratarla yo no veo bien qué tiene de malo. Es un poco repetitiva, es cierto... pero Boris The Spider también lo es y todo el mundo la reverencia. En todo caso la melodía nada trivial (típica melodía de John) y los pegadizos bronces funcionan para mí. El número de comedia Now I’m A Farmer es medianamente divertido pero seguro que no se trata de una gran canción. El final, donde oímos a Keith Moon decir en acento británico (Me encanta el acento británico) “Tomatoes, Potatoes...” Es MUY gracioso.

Y listo! Eso es todo. Vaya que hay buenas canciones aquí. La realidad es que si querés tener una colección decente de los Who no podés pasar por alto Odds And Sods, aunque sea por la versión original de Naked Eye que no aparece en nigún otro lado. Hay versiones en vivo, claro... pero no tienen ese tecladito ¡Aguante el tecladito de Naked Eye! Digo yo.

Envíame tus comentarios sobre ODDS AND SODS!

The Who By Numbers – 1975

7-/10

"It's alright when you are around, rain or shine"

1) Slip Kid; 2) However Much I Booze; 3) Squeeze Box; 4) Dreaming From The Waist; 5) Imagine A Man; 6) Success Story; 7) They Are All In Love; 8) Blue Red And Grey; 9) How Many Friends; 10) In A Hand Or A Face.

BONUS: 11) Squeeze Box (live); 12) Behind Blue Eyes (live); 13) Dreaming From The Waist (live).

mejor canción: Blue, red and grey

Más depresivo que el infierno. Así suena este álbum por momentos, y ¡Ojo! no me crean enemigo de los álbumes depresivos: soy una persona tan poco depresiva que los discos de estas características suelen FASCINARME (de otra forma ya hubiera intentado algún tipo de suicidio escuchándolos) como una forma de explorar los horrores y los fantasmas que ciertos artistas tienen adentro. Desde Animals y The Wall, hasta Ok Computer y no se cuántos más... Hey! incluso Quadrophenia es un álbum con momentos sumamente deprimentes. Pero mientras en esa ópera doble Pete se ocupó más que bien de los aspectos musicales y melódicos de sus composiciones, en Who By Numbers parece haberse concentrado exclusivamente en escupir toda su frustración y su impotencia con el horrible mundo que nos rodea, relegando lo músical a un segundo plano.

El resultado es un álbum que estilísticamente no se aleja mucho de Quad pero que a la vez resulta gris, poco inspirado y carente de ganchos o melodías interesantes. Podría suponerse que en realidad no se trata de que Pete simplemente “relegó lo musical a un segundo plano”, sino que un esfuerzo cúlmine como lo fue Quadrophenia agotó creativamente a todo el grupo. Suena como si así fuera; antes a Pete las buenas melodías le surgían naturalmente como quien se hace una tostada, es decir, no tenía que esforzarse realmente por ello. Pero ahora de repente apenas puede arreglárselas con un puñado de canciones que en general son decentes y algo emotivas pero que no pueden volarme la cabeza o siquiera engancharme. Había dicho en la introducción que Townshend vivía con ataques de nervios y depresión; las canciones de Who By Numbers pertenecen a uno de estos momentos de confusión y las letras no dejan ninguna duda de que todo alrededor es una condenada mierda y la vida no tiene sentido. Las noche es un solitario encierro para emborracharse como un perdedor, los “amigos” que nos rodean son mentirosos egoístas y vaya uno a saber qué otras pálidas surtidas ¡Wow! Pete sigue mordiendo, lástima que en esta ocasión no haya encontrado las mejores melodías; lástima que las guitarras suenen bobas y genéricas; lástima que la voz de Roger no parezca muy adecuada para la mayoría de los temas. En definitiva, está más que claro que The Who By Numbers, aún sin ser un mal disco, marca el comienzo del final para The Who. Pienso que todos los grupos terminan cayendo en la decadencia: suerte que The Who lo hace de forma mucho más decorosa que bandas como Led Zeppelin o Pink Floyd.

Si tengo que señalar una canción aquí que realmente se me haya pegado como un clásico, esa sería la deliciosa y emotiva balada Blue Red And Grey, un número de Pete solo con la mejor melodía de todo el álbum y un acompañamiento ultra-sobrio de ¡Ukulele! ¡Y OBOES! ¡Qué bien! No solo es una melodía SUBLIME que probablemente te haga llorar, sino que además se trata de una de las canciones más creativas del álbum. Por suerte Pete abandanó esa costumbre de inflar las baladas con capas y capas de sonidos. Además de Blue Red And Grey, el álbum tiene un par de baladas más y, aunque ninguna alcanza semejantes alturas, se las ingenian para agradar. Imagine A Man es la que más se me ha quedado en la memoria, aunque sea por tener una melodía de guitarra espeluznantemente hermosa y un extático estribillo realmente memorable: “And yooooou wiiiiiiiil seeeee theeeee eeeeeend”. La melodía de los versos, por otro lado, es un desvergonzado reciclaje de Pure And Easy, pero en líneas generales esta balada vuelve a demostrar como arreglos convenientemente sobrios pegan cientos de veces más que esos excesos como Song Is Over. Lástima que Pete no haya mantenido la misma filosofía para How Many Friends, otra balada decente pero eventualmente olvidable y mediocre con un estribillo genérico que no me mueve un solo pelo. Otra balada es They’re All In Love y tengo que admitir que aunque no me pega gran cosa, la melodía de los versos es tan hermosa como la más hermosa de las mujeres, al menos cuando Roger no intenta cantar con esa irritante voz machona. Y así es el “costado suave” del álbum: agradable pero intrascendente.

El lado rockero del álbum no es un mayor triunfo: de hecho, se podría decir que aquí The Who ¡No rockea! No como lo había hecho en temas como Won’t Get Fooled Again o The Real Me. ¡Qué vergüenza! Supongo que los ánimos de Pete estaban demasiado marchitos como para sonar jubiloso y exhuberante. Lo más parecido a un gran riff que encontraremos aquí está en Slip Kid, la canción encargada de abrir el álbum. Y aún así ni siquiera se trata de un gran riff, solo una sucesión de notas más o menos pegadiza que no te va a pegar demasiado. La canción, sin embargo, está entre lo mejor del álbum, aunque sea por que tiene un fantástico estribillo: bue, no diría “fantástico” pero sí muy bueno quizá. Y así seguimos... canciones que no nos harán vomitar pero que nos mantendrán clavados frente al equipo de audio, esperando ese sonido, ese gancho vocal, ese solo de guitarra que nos haga saltar de la silla... en vano. Es ese tipo de música; que va y viene agradable e inofensiva, sin hacer nada por nosotros. La terriblemente auto-despreciativa However Much I Booze es casi sin dudas lo más descartable del álbum: el riff de banjo es RELATIVAMENTE rescatable, pero la melodía vocal directamente NO EXISTE y no veo ninguna razón para que se extienda por más de cinco minutos. Otro “rocker” que se extiende y se extiende sin que pase nada es Success Story, la única composición de Entwistle, quien evidentemente también estaba lejos de su pico creativo. El riff es soberanamente estúpido y seguramente Marte colisionará con la Tierra antes de que pueda memorizar la melodía vocal. ¡Hey! ¡Hasta Postcard es mejor canción que ésta! Mucho más decente es Squeeze Box, el único número liviano, amigable, no-torturado y no-atormentado del álbum. Todavía no tengo una clave acerca de qué trata la letra, o qué demonios es la “squeeze box”: ¿Un acordión quizá? No! sospecho que tiene que haber un doble sentido por ahí. Acepto las ideas que puedan tener los lectores sobre esta críptica metáfora. En todo caso la melodía es SUMAMENTE memorable en comparación con el 90% del álbum, y eso basta para que esté entre mis favoritas (Aun cuando todo el mundo parece odiarla). También puedo tolerar Dreaming From The Waist, al menos porque la melodía vocal de Roger es medianamente pegadiza y vibrante y porque ostenta las mejores líneas de bajo de todo el álbum, pero más allá de eso no es más que otra cosa mediocre. La canción que cierra el álbum, In A Hand Or A Face, está a medio camino entre un rock y una balada y es un pañal descartable usado con la excepción de esas hipnóticas líneas vocales que dicen “I am going round, and round”. Realmente, la canción NO EXISTE salvo este maravilloso fraseo que da vueltas como una aguja enloquecida en mi cabeza cada vez que escucho el álbum.

Las últimas ediciones de The Who By Numbers traen tres temitas bonus en vivo: uno es nada menos que Behind Blue Eyes, y aunque está bien interpretada sinceramente no necesito una versión en vivo de esta canción. Y tampoco necesito las versiones en vivo de Squeeze Box y Dreaming From The Waist. ¡Qué mal! Hasta los bonus tracks son insustanciales.

En resumen, The Who By Numbers es la caída de The Who que pasa de ser una de las bandas más gloriosas de la historia al estado de dinosaurio legendario incapaz de publicar material relevante. Aún así, las canciones del álbum, todo lo grises y mediocres que sean, guardan algún pequeño disfrute. Nada que vaya a volarte la cabeza como antes, pero tampoco nada horrible que te provoque diarreas. Si no te importa que la música te revuelva las venas y te acelere el pulso, entonces no tendrás mucho problema con Numbers. Yo, por mi parte, prefiero volver a escuchar Quadrophenia.

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Who Are You – 1978

7+/10

"Goodbye Sister Disco, with your trashing flash lamps"

1) New Song; 2) Had Enough; 3) 905; 4) Sister Disco; 5) Music Must Change; 6) Trick Of The Light; 7) Guitar And Pen; 8) Love Is Coming Down; 9) Who Are You.

mejor canción: Sister disco

Este álbum siempre genera alguna que otra polémica entre los fans de The Who, y las opiniones por lo general se dividen en puntos extremos; Who Are You es visto como un excelente y maestro regreso de los mejores Who, a hacer música creativa y significativa, o bien como una asfixiante, chapucera y grisásea porquería. Voy a decirles la verdad: en un principio tendía a hacia la segunda consideración; por alguna razón no podía digerir esta música, me aburría mortalmente y todos los detalles de las canciones se me volatilizaban de la memoria apenas las apagaba. Hoy, para hacer la revisión, lo vuelvo a escuchar y la cosa me pega de una forma completamente distinta. No quiero siquiera sugerir que volvemos al nivel cuasi-galáctico de álbumes como Quadrophenia y Who's Next, porque esto NO ES ASI, pero sí puedo declarar que se aprecia una LEVE mejoría con respecto al pálido By Numbers.

¿Qué música nos encontraremos aquí? En un plano estilístico, apenas se diferencia de By Numbers; no se trata de una música demasiado original o fuera de lo común. Algunas baladas que podemos llamar formulaicas, algunos rockers que podemos llamar rancios, lo típico que The Who venía mostrando en los últimos tiempos. Las melodías, sin embargo, parecen más VIVAS que las del álbum anterior, y en general los arreglos musicales tienden a sorprender más seguido, ya sea porque Pete saca algún gancho inesperadamente fresco de su guitarra, o porque aparece alguna armonía interesante o algún sintetizador creativo. De hecho, el aspecto más sobresaliente de Who Are You es una vuelta A TODO TRAPO a los sintetizadores, en un papel incluso más prominente que el que tenían en Who's Next y Quadrophenia, ensombrciendo significativamente la guitarra de Pete. Sí, es cierto es que estos sintetizadores suenan un poco defasados, cursis, banales y pasados de moda, pero la verdad es que uno eventualmente se acostumbra y llega a disfrutarlos en parte. La razón es que en la mayoría de las ocasiones hacen cosas más o menos creativas. Pareciera como si los Who hubieran puesto más esfuerzo en la composición.

Ahora, Who Are You no es la octava maravilla del mundo. Sigue siendo un álbum discreto e irregular, con un nivel compositivo desparejo y algunos momentos que suenan realmente excesivos, faltos de gracia o simplemente ordinarios, pero en general todas las canciones se disfrutan y guardan algún gancho atractivo. Mi favorita del lote es Sister Disco, una feroz diatriba en contra de la música disco (que estaba ardiendo en ese entonces) que en principio puede sonar INFERNALMENTE IRRITANTE por sus exagerados arreglos de sintetizador azucarado. En efecto, esos sintetizadores con los que abre pueden ser su atributo menos feliz, sin embargo tiene un estribillo ARREBATADOR ("Goodbye Sister Disco..."), donde la estupenda voz de Roger entra en duelo con los sintetizadores y el perforador stacatto de John en medio de una melodía eterna y clásica. A eso hay que sumarle la gran cantidad de secciones y melodías que van apareciendo en el medio y la fenomenal coda acústica, donde Pete vuelve a destripar su guitarra acústica como en los mejores momentos de Tommy. La otra canción que realmente me atrae es Music Must Change, otra reflexión metadiscursiva (el título es autoexplicativo) enmarcada en un atípico groove maravillosamente jazzero y bizarro donde el ritmo está marcado por el zapateo de Pete, quien además hace cualquier cantidad de truquitos copados con su guitarra. La última de mis preferidas es New Song, cuyo atractivo principal es su pegadiza melodía vocal que se disfruta a pesar de las frecuentemente empalagosas líneas de sintetizador.

En el polo opuesto colocaría a Had Enough, un tema de Entwistle que roba su título de un tema (superior) de Quadrophenia. ¿Cuál es el problema con la canción? Que está SATURADA de sintetizadores bochornosos y orquestaciones innecesarias que la convierten en un número demasiado "caramelizado" y dolorosamente cursi para mi gusto. La melodía, no obstante, es buena. Otra canción que nunca llamó mucho mi atención es la pista titular, Who Are You, que si bien está considerado ampliamente como un verdadero clásico, a mi juicio no tiene mucho que ofrecer. Me gusta la parte instrumental intermedia, donde Pete vuelve a la carga con otro solo acústico IMPRESIONANTE y más tarde con una exquisita y atmosférica melodía de piano; también debo resaltar que esta es la única canción del álbum donde Moon realmente toca como Moon (en el resto de las canciones aparece extrañamente calmado). Pero en contrapartida tenemos una performance vocal de Roger demasiado rasposa y sucia para mi gusto, un estribillo bastante tonto y un trasfondo musical eminentemente pedestre que no me mueve un pelo.

Dos números más de Entwistle: 905 es una historia de ciencia ficción sobre un robot, cuya única característica rescatable pasa por los extraños sonidos que aparecen en los quiebres instrumentales y por su melodía dulzona. Mi favorito de John es sin dudas Trick Of The Light, que en realidad pasaría por un metal-rock totalmente ordinario de no ser por el extraordinariamente potente estribillo. Me quedan en el tintero la balada de Pete Love Is Coming Down, decente, robustamente orquestada y repleta de ganchos vocales inusuales, y la extraña Guitar And Pen, que por sus melodías cursis y teatrales parece pensada para un musical de Broadway, de la cual rescato los quiebres instrumentales de piano y guitarra (sobre todo las ESTUPENDAS frases de guitarra eléctrica que se manda Pete a partir del minuto y cuarto de duración).

Who Are You es realmente un álbum decente. No hay nada masivamente espectacular como ciertos viejos clásicos de antaño, pero mentiría si dijera que hay canciones malas aquí. En todo caso, la discreta inteligencia de algunos arreglos ayudan enmascarar y realzar lo que en principio es el producto de unos Who cansados y agotados. 

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Face Dances – 1981

6+/10

"This is no social crime, this is you having fun"

1) You Better You Bet; 2) Don't Let Go The Coat; 3) Cache Cache; 4) The Quiet One; 5) Did You Steal My Money; 6) How Can You Do It Alone; 7) Daily Records; 8) You; 9) Another Tricky Day.

mejor canción: Another tricky day

Malas noticias. Keith Moon, poco después de haberse publicado Who Are You, se murió. Sobredosis de drogas, claro está, qué otra cosa se podía esperar de un tipo tan rallado, adicto, borracho y excesivo como él. Pete Townshend siempre sintió que Keith lo había hecho a propósito, tal como lo escuché una vez, quebrándose en llanto, en un reportaje que dio para la TV y siempre se lo reprocha al fantasma de su amigo. Como sea, el grupo tomó la decisión de seguir adelante sin Moon. ¡Sin Moon! Realmente no se entiende mucho el asunto; dicen que después de Quadrophenia Pete ya se había hartado bastante de los Who y se había focalizado más su carrera como solista y guionista... ¿Qué mejor oportunidad que ésta para deshacerse por siempre de la banda? Pues no, al parecer cambió de opinión y tres años después, con el ex-baterista de los Small Faces Kenny Jones, el grupo renacía de las cenizas como el Ave Fénix, publicando Face Dances.

Todos dicen que este álbum está de más, que The Who debería haberse terminado con la muerte de Moon. Es que, vamos a decir la verdad, es un tanto imposible pensar en The Who sin Keith. Está bien, es el baterista y compuso ¿Cuántas? ¿Tres canciones para el grupo? Pero dejémonos de joder, Moon era el ALMA de los Who... su toque de batería era inimitable, irreemplazable, inconmensurable para el sonido de la banda, y su personalidad avasallante era ciertamente uno de los principales motores por los cuales ésta alcanzó su status mítico. Basta viste... se acabó. Led Zeppelin aprendió la lección, y cuando Bonham siguió los mismos pasos de su colega, el grupo dijo "no va más". Y eso que Bonham no era tan importante para Zeppelin como Keith lo era para The Who! Era importante, sí, pero no era Keith Moon. Además, ¿Cuál es el sentido de seguir cuando incluso la performance artística está también en declive? Porque, claro, estaría bien darle para adelante si estás en pleno paroxismo creativo, escribiendo clásico tras clásico y con las melodías e ideas desbordándote la cabeza... Sin embargo los dos últimos álbumes de estudio demostraban que esto estaba lejos de ser verdad, y que creativamente los Who no eran más una fuerza musical para tener en cuenta. Encima ahora desaparece Moon... ¿Qué chances hay de que saquen un buen disco?

Bueno, sí, pienso así. No fue afortunado que los Who siguieran adelante, no había realmente más para entregar. Pero eso no significa que Face Dances sea una porquería total o una basura inservible. De hecho, eso es lo que esperaba hasta que lo escuché, y ahora que lo hice simplemente pienso que no es tan malo como muchos de los oyentes han clamado. Sí, obviamente Pete está bien lejos de su mejor forma como compositor, obviamente ninguna de estas canciones está a la altura de los clásicos de diez años antes y sí, es un álbum mediocre en líneas generales. Pero diablos, comparado con los últimos esfuerzos de Led Zeppelin, o lo que los Stones habían comenzado a pergeniar en la misma época, Face Dances suena a gloria y triunfo. El problema para mí es que con este disco la banda se consolida definitivamente como un acto anónimo y pedestre de FM-pop contemporáneo que NADA tiene de esa rabia, esa vena y esa épica rockera de los viejos días de gloria. Simplemente dan la impresión de unos jovatos cansados, abatidos y sin mucha inspiración que siguen haciendo su música porque ese es su trabajo y de eso viven. Pero más allá de esta realidad no hay nada DESAGRADABLE aquí en Face Dances, nada ofensivo, nada atroz, nada que nos incite a correr y vomitar el piso. Es pop inofensivo y lavadito, con algunos sobrios toques de guitarra típicamente AOR, algunos sintetizadores ahí en el medio (no los sintetizadores creativos de Quad, sino los sintetizadores promedio de cualquier FM-pop ochentoso) un moderado toque de batería y melodías placenteramente livianas pero rápidamente olvidables. No, no es nada excitante realmente, pero lo cierto es que Face Dances no hace más que confirmar la tendencia de By Numbers y Who's Next, sin presentar nada mucho peor que habíamos escuchado ahí. En definitiva el álbum ME AGRADA. Le pongo un seis porque suena dolorosamente intrascendente y ordinario de principio al fin, porque no hay verdaderos clásicos, porque en rigor la cosa podría esfumarse de la faz de la tierra sin que me apene mucho, pero por otra parte las canciones son inofensivamente placenteras, no hay nada desagradable y cada tanto, cuando le pegan con algunas melodías de calidad, no puedo decir que no me guste lo que oigo.

Mi favorita es la última, Another Tricky Day, que contiene un buen riff genérico típico de Pete (¿Se han dado cuenta de que los riffs de Pete en los Who tardíos siempre suenan iguales?), pero sobretodo una melodía vocal pop cantada a dúo por Roger y Pete que, sin ser maravillosa, fluye placenteramente sin falla alguna, con sus buenos ganchos pegadizos y una buena dosis de energía. Hey, ¡Hay canciones en QUADROPHENIA que suenan peores que ésta! Un tema que quizá no muera por poner en mi compactera a todo volumen, pero que me agradaría encontrar por fortuna en la radio. Ahí está, Another Tricky Day es un pop-rock ideal para la radio, pero de buena calidad. Lo mismo puede decirse del gran hit del álbum, You Better You Bet, que muchos consideran como un gran clásico legítimo de la banda. Yo no, pero aún así se trata de un buen tema pop, con sus densos arreglos de sintetizador, su ritmo empalgoso e irresistible y sus imbricadas armonías vocales que parecen llenarlo todo. Dicen que su letra es estúpida, pero ¿A quién le importan realmente las letras de estas canciones? Parece que en esa época Pete estaba reservando lo mejor de su pluma para su disco solista Empty Glass, pero con estas dos canciones realmente favoreció a su grupo de toda la vida. No es que sean grandiosas ni nada así, pero ponelas en un disco como In Through The Out Door de Zeppelin o Emotional Rescue de los Stones y creeme que serán absolutas piezas de arte.

Ah! también John Entwistle sigue componiendo, y esta vez provee los dos únicos rockers del álbum. Muchos coinciden en señalar que el pobre bajista estaba completamente arruinado como compositor, pero si me preguntan a mí opino que sus (bastante criticadas) The Quiet One y You no representan ningún declive con respecto a Had Enough, o 905, o Success Story... es más, voy a subir un escalón más y declarar que las prefiero por sobre cualquier canción escrita por John desde My Wife con excepción de Trick Of The Light, que está a la misma altura. Es más, Trick Of The Light es el modelo para ambos temas... dos rockers genéricos bastante furibundos para lo que es el tono general de Face Dances. The Quiet One, en la que Entwistle satiriza su fama de ser un tipo tranquilo, pacífico e inofensivo, es quizá el más flojo de los dos, pero tiene un excelente riff de genuino hard-rock, tocado con una dinámica y una frescura que no se sentía en los Who desde los días de Quad (buena performance del reemplazante de Moon aquí). Es cierto que la voz de John no suena muy bien y que en general el tema aburre... pero no voy a negar ese riff. Por su parte, You se destaca por tener uno de los ganchos vocales más memorables de todo el álbum en su estribillo (¡Save me! ¡Save me!) y por ser Roger el cantante principal, la performance vocal es superior a la de The Quiet One.

El resto de las canciones, todas de Pete, no son más que viñetas completamente formulaicas de pop para adultos que a veces parecen escritas por una de computadora de acuerdo a fórmulas preprogramadas. Como dije antes, no suenan feas ni excesivamente melosas (no es el tipo de FM-pop repulsivo que podría ofrecer Phil Collins), pero ciertamente me dan lo mismo. La más memorable de todas es Don't Let Go The Coat, un tema ultra-suavecito y placentero, con buenas líneas de guitarra y un estribillo ultra-comercial que por momentos agrada y por momentos suena demasiado perezoso. Cache Cache, por otro lado, es la más molesta: por alguna razón a Roger le subió una manía de cantar como su estuviera en una opereta o una comedia de Broadway... y vaya que irrita... Los quiebres instrumentales de Cache Cache no están nada mal, y los momentos vocales mas lentos son bastante agradables... pero la canción no es buena realmente, ¿Qué canción con un estribillo como "There ain't no bears in there" puede tener sentido? El resto del disco es más de lo mismo, las melodías apenas se pueden retener en la memoria, los instrumentos no hacen nada interesante y todo suena livianito y placentero sin impresionar en lo más mínimo.

Teniendo en cuenta las ATROCIDADES que se dicen sobre Face Dances, puedo concluir que se trata de la obra más infravaluada del grupo, pero creéme que no se trata de un álbum que necesites ir corriendo a buscar. Si en algún momento de tu vida te conviertes en un completista de tus bandas favoritas, pues bien, cómpralo... pero si no, esto es totalmente prescindible. Por cierto, gran idea para la cubierta... parece una versión "artística" de A Hard Day's Night, pero claro... con cuatro cuadritos menos: sin dudas la prueba más contundente por la cual los Beatles superan a los Who.

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It's Hard – 1982

4-/10

"Won't you come and join the party"

1) Athena; 2) It's Your Turn; 3) Cook's County; 4) It's Hard; 5) Dangerous; 6) Eminence Front; 7) I've Known No War; 8) One Life's Enough; 9) One At A Time; 10) Why Did I Fall For That; 11) A Man Is A Man; 12) Cry If You Want.

mejor canción: Eminence front

Es el álbum que demostró de una vez y para siempre que The Who estaba acabado en todos sus niveles. Es tan aburrido y monótono que me desespera, me desmotiva y me pone de mal humor, incitándome a enterrarme en mi cama, lamentar haber nacido y no salir por muchas horas. Si alguno está interesado en saber cuál es el exacto significado de estar SIN INSPIRACIÓN, solo tiene que escuchar un poco este disquito. Verán: álbumes mediocres y malos he escuchado algunos en mi corta vida, pero entre ellos casi siempre había algo de experimentación y variedad... Pienso en cosas como In Throught The Out Door, el disco de Zeppelin en el cual, si bien las canciones son una peor que la otra, por lo menos recuerdo perfectamente cómo suena cada una de ellas. Pienso en cosas como The Division Bell, donde a pesar de lo aburrido de los arreglos e ideas musicales, al menos había un par de melodías memorables o agradables para flotar un poco antes de hundirse. Acá ni eso. Pete está mentalmente ausente, y estas canciones, que suman nada menos que DOCE, suenan como si fueran todas la misma maldita cosa. 

Y si esa "maldita cosa" tuviera más o menos un mínimo atractivo, no me importaría tanto que se repita la fórmula. Pero ocurre que la música es tan PLANA, tan ÁRIDA, tan INSÍPIDA que las canciones se me antojan como azulejos de un jodido hospital municipal; todos iguales, todos descoloridos e insignificantes. Busquemos, intentemos encontrar algo aquí ¿Qué busca uno en una canción? ¿Ganchos melódicos fuertes que te impacten de primera oída? Cero; ¿Ganchos melódicos sutiles que se vayan enroscando en tu cabeza con las repetidas escuchas? Cero; ¿Energía y polenta rockera? Cero; ¿Riffs de guitarra memorables y disintivos? Cero; ¿Pasajes instrumentales que estimulen nuestro instinto creativo? Cero; ¿Impacto emocional que nos haga pensar y vibrar un poco? Cero, cero periódico.... Y así todo el tiempo. Cero, cero, cero. Es frustrante... FRUSTRANTE en serio. Son canciones cuyas melodías se suceden frías y vagas, sin ir a ningún lado, sin ideas, revestidas de una instrumentación de rock GENERICA y CANSADA (un pasticho de acordes rutinarios y sintetizadores cursis), que no hacen el más mínimo esfuerzo para decir aunque sea "estoy aquí sonando, préstenme atención por un momento". Es bastante parecido a lo que habíamos oído en Face Dances, pero si en aquel se podían desenterrar algunos momentos redentores en las canciones, aquí esto se hace muy complicado.

Tal es así que It's Hard es uno de esos discos que NO PUEDO repasar a fondo canción por canción, porque no tengo NADA para decir de ellas. Eso es lo que más me frustra; a veces es muy divertido reseñar los malos álbumes porque uno se entretiene burlándose sin piedad de todas las partes atroces y tontas que aparecen... pero acá NI ESO. Son canciones TAAAAN anónimas y vacuas que ni siquiera se destacan por ser extraordinariamente horribles. Son aburridas en extremo, pero no peor que eso. Esto garantiza, por un lado, que la nota no se vaya MUY abajo, pero por otro lado, determina que este sea uno de los discos más olvidables e irrelevantes que escuché en mi vida. No me malinterpreten, no estoy quejándome de que It's Hard no sea lo suficientemente horrible, solo estoy subrayando lo INOCUO de las composiciones de Pete, el hecho de que no llaman la atención ni sobresalen en NINGUN aspecto. Sin melodía, sin gancho, pero además sin una fealdad sobrenatural que te haga recordarlas y distinguirlas una de otra. Por esto, siempre se me hace que estas canciones no existen, no están, no son REALES. Resultado: esta será una revisión bastante corta.

Hay una excepción, sin embargo, y creo que pocos discos han existido en donde la mejor canción sea tan unánime y obvia. Hablo de Eminence Front y desde ya te recomiendo que si encuentras a alguien que no opina lo mismo, asegurate de internarlo en un manicomio. Es que la diferencia es tan abismal que parece un chiste: tenemos una canción casi clásica, digna de estar considerada entre las mejores de la historia del grupo, rodeada de las más rutinarias y estúpidas cosas jamás compuestas por Pete. De Eminence Front me gusta sobre todo la brillante introducción, un pasaje musical fantástico que me hipnotiza y me sumerge en alguna oscura película detectivesca europea. El tema está compuesto en la vieja y sana tradición de Baba O' Riley, basándose en unos intrincados loops de sintetizador y algunos maestros toques atmosféricos de Pete. La canción se pone levemente aburrida después porque no tiene grandes anzuelos melódicos, pero el groove es indescriptible y nunca decae.

Lo demás es esa nada que antes traté de describir. No voy a decir que es una basura, pero está muy cerca de serlo. Entre toda la resaca, hay ciertas cosas que me permitiré rescatar para no quedarme tan corto. En la primera mitad del álbum, Athena e It's Hard son medianamente interesantes mientras suenan, y por momentos amenazan con tener cierta melodía. Athena, por ejemplo, es bastante pasable después de todo; hay una melodía vocal más inspirada de lo normal, sobre todo en la parte donde Pete canta suavemente "Just a girl, just a girl"... Para mí, la arruina un poco ese ESTUPIDÍSIMO estribillo de "She's just a girl... She's a BOMB!", pero no me voy a quejar mucho tratándose de un disco en el cual la mínima dosis de gracia es un oasis: Athena zafa. Lo mismo va para It's Hard, que repunta más que nada por las líneas de guitiarra de Pete, una performance bastante robusta que nos hace perdonar la ridícula melodía. Por el contrario, el resto de las canciones en la primera mitad apesta con apasionado ahínco. It's Your Turn, firmada por un acabado Entwistle, es una firme candidata a ser la peor canción jamás hecha por The Who... Es tan indistinguible que hasta dan ganas de llorar, con sus toscos riffs de sintetizador por todas partes y sin melodías a la vista. Cooks County no es mucho mejor; apenas puedo soportar el berreo de Roger "People are SUFERING!" respaldado por un aleatorio acompañamiento instrumental. Dangerous, otra vez de John, tampoco es una maravilla; más sosos sintetizadores haciendo nada de nada. Bostezos pronunciados que no puedo dominar. Ayuda por favor.

En la segunda parte las malas canciones perpetúan su gloriosa hegemonía: I've Known No War es muy floja, no sirve para nada, no deja más que una orgía de power-chords pedorros y salvo el riff decente que irrumpe en el primer estribillo, el resto está para el tacho. One Life's Enough es una pedestre balada de piano con sabor a nada; One At A Time, la última de John Entwistle, arranca con una introducción de sintetizadores BASTANTE fea y después se hunde en la indiferencia. A pesar de que el track tiene algo más de vida que el resto y el ritmo de batería es vagamente interesante, no deja de ser hard-rock en su máximo nivel de sinsabor. Por su parte, Why Did I Fall For That es tontísima, parece como si la hubieran compuesto sin ganas en dos minutos antes de grabarla; su estribillo armónico más o menos genera ALGO, pero no lo suficiente para lograr que me despierte de esta insondable modorra. La balada A Man Is A Man no es tan terrible, pero sigue siendo un fracaso; se supone que una balada tiene que tener una melodía... ¿Se entiende? O sea... una MELODÍA... Pete! Hey.. PETE!!! ME-LO-DÍ-A... Digamos que el estribillo es un poco más melódico, pero está cantado con menos ganas de las que tengo yo para levantarme a la mañana temprano para ir a la facultad. Finalmente Cry If You Want cierra el álbum con otro monumento a la abulia, un pastiche cargado de irrelevantes borboteos de Roger... ay mamita me voy a poner a llorar como un bebito sin chupete si sigo escuchando ésto mucho tiempo más.

¡Qué aburrimiento por favor! El aburrimiento en general genera indiferencia, pero esto es TAN, pero TAN aburrido que francamente me exaspera. Ya lo dije y lo vuelvo a decir ahora: no son canciones para VOMITAR por todo el living. No son horribles ni lastiman el oído, ni invocan a los más profundos espíritus de lo aberrante... pero tienen una carga de irrelevancia e intrascendencia tan vertiginosa que para el caso es exactamente lo mismo. Todo lo que se dice de éste álbum es cierto. No existe, no tiene razón de ser, merece ser olvidado para siempre. Solo me quedo con Eminence Front... el resto está para que nadie, nadie, nadie lo note. Si en alguna ocasión Live At Leeds llegara a encontrarse con esto, jamás lo reconocería como un hermano. La distancia que hay entre ambos es un abismo ancho y profundo que nadie puede explicar.

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SINGLES y ARCHIVOS

Live At The Isle Of Wight Festival 1970 – 1986

9-/10

"Don't pretend that you know me, cause I don't even know myself"

1) Heaven And Hell; 2) I Can't Explain; 3) Young Man Blues; 4) I Don't Even Know Myself; 5) Water; 6) Overture; 7) It's A Boy; 8) 1921; 9) Amazing Journey; 10) Sparks; 11) Eyesight To The Blind (The Hawker); 12) Christmas.

1) The Acid Queen; 2) Pinball Wizard; 3) Do You Think It's Alright; 4) Fiddle About; 5) Tommy Can You Hear Me; 6) There's A Doctor; 7) Go To The Mirror; 8) Smash The Mirror; 9) Miracle Cure; 10) I'm Free; 11) Tommy's Holiday Camp; 12) We're Not Gonna Take It; 13) Summertime Blues; 14) Shakin' All Over; 15) Substitute; 16) My Generation; 17) Naked Eye; 18) Magic Bus.

mejor canción: Shakin' all over

¿Cómo, cómo? ¿Más Who en vivo? ¡Perfecto! ¡Lo tomaremos! Realmente, esto es The Who EN VIVO, y si ustedes tienen alguna idea de lo que es el rock and roll, sabrán que The Who en concierto es más o menos lo mismo pero con otro nombre. Este archivo publicado apenas hace ocho años como CD doble, contiene la grabación íntegra del show que los Who dieron en el legendario y multitudinario Festival de la Isla de Wight, Reino Unido, en 1970, cuando la banda estaba al tope de su forma, demostrando una vez más lo que podían hacer sobre un escenario con unos intrumentos en las manos. La performance es más jugosa que un bife de chorizo a punto: incluye los clásicos infaltables de Live At Leeds, algunos temas nuevos del proyecto Lifehouse, que por ese entonces se estaba gestando, y una rendición casi íntegra del genial Tommy. Eso ya es una buena razón para ir a comprarlo verdad? NADA de lo que los Who hayan grabado en vivo en sus días dorados tiene desperdicio.

Ahora bien, también me vienen a la mente algunas razones para NO comprarlo. En rigor Live At The Isle Of Wight es el hermano gemelo de Live At Leeds. Ambos recitales tienen apenas unos meses de diferencia en la línea del tiempo, el repertorio es casi idéntico, el estilo de ejecución es más o menos el mismo; parecen como dos recitales de una misma gira. ¿A qué voy? Mi punto es que, de verdad, este disco se me hace poco redundante para quien ya posea y haya escuchado Live At Leeds. Es cierto que, como dije antes, no se puede rechazar así como así un concierto de la mejor banda en vivo de la historia, pero salvo un par de detalles menores no veo nada realmente novedoso en Wight con respecto a Leeds como para nombrarlo "imprescindible". Es OTRO concierto ESPECTACULAR, no hay dudas, pero es demasiado similar al de Live At Leeds como para tener un peso propio, un encanto independiente, algo que lo distinga. Nunca me crucé con dos álbumes en vivo tan, tan, tan similares. Esa es una de las razones por las cuales Live At The Isle Of Wight nunca me entusiasmó tanto: más allá de la evidente excelencia del concierto, no hay sorpresas suficientes: es ver la misma película dos veces, ya sabés el final y no es lo mismo. Si lo hubiera escuchado antes de Leeds quizá me hubiera emocionado más.

Pero, como ya dije alguna vez, toda semejanza implica una diferencia, y en este caso las diferencias favorecen levemente a Leeds. Es en la comparación donde Wight no termina de fascinarme, porque en definitiva este concierto toma elementos tanto de Tommy como de Live At Leeds, y en ninguno de los dos casos, a mi jucio, logra superar a las fuentes. De esta forma se da que ciertamente PUEDO poner este concierto a todo volumen y disfrutar, pero nunca logro sacarme totalmente de la cabeza la idea de que disfrutaría más Leeds o el Tommy original. Con respecto a mi preferencia por Leeds, la razón es sencilla: mientras Live At The Isle Of Wight es más impresionante en el nivel de ENERGÍA y FUERZA que impone la banda desde el escenario, Leeds es superior en cuanto a PRECISION y JUSTEZA. ¿Cómo es esto? En el festival de Wight, la banda tocó en un gran descampado a cielo abierto, frente a una multitud gigantesca de ingleses drogados y borrachos que solo querían rock and roll, independientemente de qué banda estuviera sobre el escenario y cómo tocara. No era precisamente la audiencia más exigente y refinada. Por ese motivo, los Who en este álbum no suenan demasiado preocupados por la buena técnica y los errores; en cambio hacen hincapié en la mera fuerza bruta, la pura energía, que son los elementos que ESE público más apreciaría. Y está bárbaro que así sea, pero por momentos la cosa suena bastante desencajada y chapucera, al menos comparada con Leeds, en donde buena parte del mérito pasaba por lo ajustado, virtuoso y preciso de la performance. Cuando digo "chapucero y desencajado" me refiero a que la guitarra de Pete muchas veces parece estar haciendo puro ruido ciego, que las voces vacilan a menudo, que el ritmo muchas veces se nota desencajado, y que los instrumentos no terminan de ajustarse entre sí. Y si ponemos en una balanza lo que se pierde en justeza y lo que se gana en energía con respecto a Leeds, pues gana este último. Es decir, Live At Leeds tenía ya BASTANTE energía demoledora, casi la misma que Wight, pero la banda tocando para ese público selecto y escaso sonaba bastante más ajustada y divina.

Si hay algo que Wight ofrece y Leeds no (salvo su versión "deluxe"), es la performance casi completa de Tommy, aunque por algún motivo quedaron afuera Cousin Kevin, Overture, Sensation, Sally Simpson y Welcome. Quizá quieras conseguir Wight por este motivo, pues estas interpretaciones en vivo de la obra cumbre del grupo son más que legendarias. Yo sin embargo extraño mucho las guitarras acústicas y los pianos; para mí, éstos le daban al álbum original de estudio una buena parte de su atractivo... Aquí la banda le imprime un tratamiento despiadadamente duro e infernal que ciertamente impresiona, pero en mi imaginación Tommy no mejora necesariamente con decibeles y tripas, porque su esencia no pasa por el hard-rock. El encanto de Tommy está en las melodías, los temas musicales intercalados y los pequeños toques de sutileza y matiz... Por este motivo, estas interpretaciones casi animales se me antojan un tanto exageradas por momentos. Impresionantes, pero excesivas para lo que Tommy realmente requiere. De este modo la otrora sutil ópera-rock queda convertida en una seguidilla monótona de ataques monstruosos y descuidados que de alguna manera la desvirtúan... En un álbum como Get Yer Ya-Ya's out de los Stones este mismo tipo de transformaciones funcionaban porque las canciones eran sucias, pesadas y bluseras de alma... No es el caso de Tommy. Seguramente muchos no coincidirán conmigo y agradecerán la inyección de adrenalina insertada por Pete en su magnus-opus... Yo también lo aprecio hasta cierto punto, pero pasado un límite me cansa un poco y extraño el pulido y más diverso original.

Ahora bien, si omitimos esas comparaciones, que en este caso eran inevitables, el concierto en sí es maravilloso. La potencia de la banda vuelve a asombrar, y más allá de la mencionada falta de justeza, la cosa destila rock and roll a raduales que orillan lo grosero, con un Pete practicándole una VIOLACION ANAL a su pobre guitarrita y un Roger en su mejor forma vocal. Las canciones son las mismas de siempre: Heaven And Hell, Summertime Blues, Young Man Blues, Shakin' All Over, Substitute, I Can't Explain, My Generation y Magic Bus son casi las mismas de Live At Leeds, todas rockeando con estupenda frescura y vena. Algunas diferencias interesantes son dignas de mención: La eterna Shakin' All Over incluye esta vez algunos fragmentos de viejos covers bluseros: Spoonful (incluído por los Cream en su primer álbum) y nada menos que Twist And Shout (incluído por los Beatles en su primer álbum). Este jam inesperado y divertido constituye uno de los absolutos puntos altos de todo el concierto y hace de esta versión de Shakin' All Over un tesoro especial que no puede reemplazarse con la versión de Leeds. Por su parte, Magic Bus vuelve a rockear a lo grande con su trepidante introducción, aunque en definitiva no sobrevive a una comparación con su ORGASMICA hermana de Leeds.

Antes de empezar con Tommy la banda ofrece además dos cortes inéditos que estaban preparando para Lifehouse (que luego se convertiría en Who's Next sin incluir ninguno de los dos): Water y I Don't Even Know Myself. Water está realmente bien, pero la voz de Roger suena muy rasposa y sobredramatizada para mi gusto; como dije en la revisión de Odds And Sods, me quedo con la sutil original. Por su parte, I Don't Even Know Myself siempre fue de mis favoritas y en este caso no hay excepción; siempre me pareció un tema ideal para conciertos, con esa melodía avasallante y enérgica que simplemente levanta al público. Sobre el final, antes de Magic Bus, el grupo ensaya también un jam tremendo sobre el tema de Naked Eye, que esta vez ya tiene sus propios versos, cosa que no se veía en la embrionaria y fugaz aparición de Live At Leeds.

Así que mi conslusión es la siguiente: si ya tenés Live At Leeds y no sos un fanático completista de la banda, realmente no te perderás nada importante sin Live At The Isle Of Wight. Si REALMENTE estás fascinado con Leeds y quieres todo el Who en vivo que tu estómago pueda digerir, pues adelante, esto es lo que buscabas; no encontrarás nada nuevo pero podrás saciar el vicio. El concierto es excelente en sí mismo y merece al menos un nueve, pero el hecho de parecerse tanto a Live At Leeds sin lograr superarlo ciertamente le quita un poco de sentido e interfiere en el nivel de disfrute generado. Pero hablo por mí y mis oídos... puede también que se convierta en tu álbum preferido del grupo si no te preocupan demasiado la precisión y la justeza. De última, se trata de un álbum en directo de la mejor banda en directo de todos los tiempos en su mejor momento. Sacá tus propias conclusiones.

Envíame tus comentarios sobre LIVE AT THE ISLE OF WIGHT 1970!

The Ultimate Collection – 2002

9+/10

"Don't follow the lines that been laid before"

1) I Can't Explain; 2) Anyway, Anyhow, Anywhere; 3) My Generation; 4) The Kids Are Alright; 5) A Legal Matter; 6) Substitute; 7) I'm A Boy; 8) Boris The Spider; 9) Happy Jack; 10) Pictures Of Lily; 11) I Can See For Miles; 12) Call Me Lightning; 13) Magic Bus; 14) Pinball Wizard; 15) I'm Free; 16) See Me, Feel Me; 17) The Seeker; 18) Summertime Blues (live); 19) My Wife; 20) Baba O' Riley; 21) Bargain.

1) Behind Blue Eyes; 2) Won't Get Fooled Again; 3) Let's See Action; 4) Pure And Easy; 5) Join Together; 6) Long Live Rock; 7) The Real Me; 8) 5:15; 9) Love Reign O'er Me; 10) Squeeze Box; 11) Who Are You; 12) Sister Disco; 13) You Better You Bet; 14) Eminence Front.

mejor canción: buuuuuuuuuu

A ver, a ver, un consejito humilde para mis amigos lectores... Si están pensando en comprar una compilación de The Who, asegurénse de que sea ésta y no otra. ¿Pero qué estoy diciendo? Si están pensando en comprar una compilación DE CUALQUIER GRUPO, asegurénse de que sea ésta y no otra. Tal como su nombre indica, The Ultimate Collection... no necesitás nada más para encontrar la felicidad. Doble felicidad diría yo, ya que se trata de un álbum doble.

La discografía de los Who siempre fue harto complicada, tal como detallé en la reseña de Odds And Sods: toneladas de singles descolgados inhallables en LP's, oscuros lados B que solo conocen Pete y su abuela, descartes sueltos que no pertenecen a ningún lado y tomas alternativas de todo tipo dando vueltas por ahí, algunos de ellos de valor relativo, otros realmente esenciales, y ninguna colección que los reúna y catalogue comprensivamente. Eso sí, hubo un EJERCITO de "hit-packages", compilados y colecciones que reunían ALGUNAS de estas canciones, pero que siempre se aseguraban de dejar algo afuera, lo cual solo contribuye a la confusión y la dificultad de coleccionar esta música. A diferencia de lo que ocurrió con los Beatles y los Stones, los Who jamás tuvieron un recopilatorio de singles a la altura de Past Masters y The London Years. En realidad miento, sí lo tuvieron, en el BRILLANTE álbum Meaty Beaty Big And Bouncy, pero como aquel apareció en 1971 (en el mismo año que Who's Next), no contempla algunos de los descartes claves del proyecto Lifehouse, concentrándose exclusivamente en los singles más relevantes de la década de los 60 (lados B, brillando por su ausencia). Los singles más importantes, en general, suelen encontrarse también en las diversas selecciones de hits que han aparecido en el mercado: es digno de mencionarse el Greatest Hits de 1983, pero solo para recordar el payasesco dato de que omitía temas como I Can See For Miles... ¿¡¿¡Qué maldito compilado de "GRANDES EXITOS" puede darse el lujo de prescindir del más grande éxito de la banda en los 60?!?! En 1985 apareció una colección titulada Who's Missing, que reunía, esta vez sí, algunos de los más oscuros e inhallables lados B del grupo. Pero ahí está el problema... solo ALGUNOS, nunca todos. Por último, un esfuerzo digno de destacarse y recomendarse es el reciente My Generation: The Very Best Of The Who, que provee al coleccionista los singles clave del grupo, combinados con algunos de sus más celebrados y exitosos temas de LP.

En realidad, The Ultimate Collection no es más que una extensión de este último compilado, y por lo tanto es la colección más abarcativa y coherente que existe hoy en día de los Who. Si compras esto serán totalmente redundantes las mencionadas compilaciones, incluida Meaty Beaty Big And Bouncy. Todos los singles infaltables, las joyas inolvidables y los clásicos eternos están aquí, y como yapa se incluyen algunas sorpresas y rarezas valiosas que le dan un plus sobre otros rejuntes de hits. El fan moderado de The Who sin dudas se conformará con My Generation: The Very Best Of The Who, ya que aquella también reúne los simples más importantes... sin embargo, este volumen doble es más comprensivo en el material de LP's: por ejemplo. Mientras My Generation solo toma, por ejemplo, una sola canción de Quadrophenia, The Ultimate Collection ofrece TRES, que es en realidad lo más lógico.

Pero yo parto de la base de que ningún coleccionista de rock más o menos en sus cabales va a prescindir de Quadrophenia o Tommy o Who's Next, así que diría que lo importante no es tanto la selección de temas de LP sino la lista de singles y rarezas valiosas. Para los no iniciados, obviamente se trata de una excelente introducción a la banda ya que abarca desde el primer single hasta los días de It's Hard, pero nosotros los que sabemos solamente la necesitamos por los singles. Los singles, los singles, los singles. ¡AHHH LOS SINGLES! 

Voy a decir una locura, pero tengo la sensación de los Who son la mejor banda de singles de la historia. Está bien, los Beatles han sacado más y mejores quizá, pero estos singles de los Who seguramente son más importantes a nivel personal... Es decir, Pete Townshend REALMENTE trataba los temas más espinosos de la adolescencia, con humor, con poesía, con inteligencia, mientras los Beatles en realidad no pasaban de una genérica canción de amor (Ticket To Ride) y más tarde algún devaneo pseudofilosófico (Strawberry Fields) o manifiesto político de manual (Revolution). Eran buenas letras las de John y Paul, pero no lograban (ni querían) penetrar tan profundo en la problemática del adolescente como Pete en estas canciones, y por eso los Who resuenan tanto, por eso me siento mucho más identificado emocionalmente con estos simples que con los temas de los Beatles. Es realmente admirable cómo Pete, con estas canciones, es capaz de reflejar las cosas que comienzan a dar vueltas en nuestras cabezas en esa confusa etapa de la vida, y que eso haya sido exactamente igual para él como para nosotros. ¿Estás empezando a sentir algo bastante fuerte por alguien pero en el fondo no tenés idea que CARAJO es lo que te pasa? (I Can't Explain); ¿De repente te sentís eufórico, invencible y crees que podés llevarte el mundo por delante? (Anyway, Anyhow, Anywhere); ¿De pronto te hallás saltando de un grupo de amigos a otro, buscando uno en el cual sentirte cómodo y feliz y donde no te miren con cara rara? (The Kids Are Alright); ¿Acaso tus padres, y los mayores en general, empiezan a ponerse irritantes, a ser un estorbo, a molestar hasta las lágrimas? (My Generation); ¿Te empezás a dar cuenta de que el mundo está lleno de prejuicios estúpidos, valores vacuos y modas baratas y que nadie te tratará bien si no tratas de ir con la corriente? (Substitute); ¿No soñás acaso con miles de excitantes aventuras románticas mientras no hacés otra cosa que masturbarte en tu habitación mirando pornografía? (Pictures Of Lily) ¿No te pasa que no tenés idea de qué demonios hacer con tu vida, y necesitas desesperadamente una respuesta? (The Seeker). Si sos o fuiste un adolescente varón y nunca te sentiste así, pues amigo, yo no se que decirte. Lo único que puedo hacer es repetir lo sencillamente hermosas y emocionantes que pueden llegar a ser estas reflexiones si llega uno a identificarse con ellas.

Pero claro, nadie se pondría a babear con estos singles si además no tuvieran excelentes melodías y arreglos. La fabulosa I Can't Explain es el primer single de los Who. Es odioso entrar en comparaciones si no son estrictamente necesarias, pero el primer single de los Beatles fue la semi-idiota Love Me Do y los Stones apenas debutaron con un modesto e irrelevante cover de Chuck Berry. En cambio los Who entran y debutan con uno de los clásicos definitivos de su carrera... ¿Quiere decir que los Who son mejor banda que los Beatles y los Stones? No, para nada, pero sí se me hace una clara muestra de que Pete empezó con su genio en un estado de madurez más avanzado que sus compadres. La letra de I Can't Explain es extremadamente sencilla, pero siempre funciona si uno de pronto está enamorado, o supone estarlo, pero no está seguro de nada. Pete escribía sobre él mismo, sobre esa mente insegura y pendulante del adolescente que empieza a vivir situaciones contradictorias con el sexo; la gente pedía más, porque así se siente todo el mundo en determinado momento. ¿La música? Excelente; un riff proto-punk completamente inolvidable (inspirado en los Kinks de You Really Got Me) combinado con una melodía pegadiza como el chicle, un solo de guitarra excitante y un estribillo de los más memorables y melódicos jamás escritos por Pete. En la misma vena se encuentra Anyway Anyhow Anywhere, que contiene algunos fragmentos de feroz feedback experimental ciertamente arriesgados para la época, sobre todo si están insertados en medio de esta melodía ultra-poppy acerca de esa sensación de arrogancia, de que todo es posible, de que nada puede contra nosotros ¿Quién no se sintió así alguna vez en plena juventud? Hey! ¡Yo mismo me siento así ahora mismo! ¡NADIE puede conmigo, TODO es posible para mí! Mañana salgo a la calle y deslumbro a todos con mi genio, con mis encantos, con mi tremenda facha! ¿ALGUNO OSA DESAFIARME? Claro, mañana cuando salga a la calle voy a ser el mismo timidón antipático y huidizo de siempre, pero nada evita que mi cerebro flashee con esas cosas. ¡MIERDA PETE! Sí que supiste cómo poner todas estas miserias en una excelente canción! Al carajo con toda esa idea de mods vs. rockers y pandillas juveniles que tiñe los inicios de The Who, este tipo de letras son igual de afectivas aún cuarenta años después.

Ni Happy Jack ni I'm A Boy ni Pictures Of Lily son de mis favoritas, básicamente porque las melodías no me agarran tanto como los dos himnos que mencioné anteriormente. I'm A Boy habla sobre un chico al que sus padres siempre trataron como a una niña, lo cual deriva en drásticas confusiones a la hora de definir una preferencia sexual (autobiografía?). La melodía es bien poppy, pero no tiene nada demasiado interesante o extraordinario. La humorística Pictures Of Lily narra con humor el doloroso despertar sexual en el adolescente, y cómo los pósters con chicas desnudas pueden ayudar a descargar un poco las tensiones. No es tan explícita como Mary Anne With The Shaky Hands, pero supongo que no hay que ser un genio loco para imaginar lo que hacía Pete con estas imágenes colgadas de las paredes de su cuarto... musicalmente tampoco tiene nada PARTICULARMENTE atractivo, pero nunca deja de disfrutarse. De este lote me queda Happy Jack, cuya letra no llego a interpretar del todo. ¿Se trata de un tipo adulto que juega con niños? Mmmmm No me huele bien... recuerdos de Michael Jackson surgen en mi mente, y también de que a Pete se lo acusó de pedrastra alguna vez... Quizá la letra de este tema haya servido de ayuda... Aunque puede que me equivoque.

Estas tres canciones pertenecen al nivel de "buenas pero no extraordiarias". Para volver al nivel más clásico, nada mejor que Substitute, con su genial riff acústico, su pegadiza melodía y su inteligente letra sobre las desgracias de tener menos dinero que el que la sociedad exige, o Magic Bus, que tiene un ritmo totalmente intoxicante (gracias a los toc-tocs de Moon, este tipo tocaba cualquier cosa) y las fenomenales estocadas acústicas que se mandaba Pete. En Live At Leeds aparece un buen ejemplo de cómo convertir una alegre tonadita acústica en un MONSTRUOSO jam de ultra-hard-rock, pero diría que esta versión original está repleta de encantos. Si te gusta la guitarra acústica, te la recomiendo. Y no tengo más que loas para el rocker The Seeker, el más tardío de este grupo de singles. Melódicamente puede sonar un poco genérico, eso sí, pero en cuanto a intensidad, potencia y entusiasmo, esta es una de las más grandes canciones de The Who. El riff inicial es, cómo decirlo, APLASTANTE, ANIQUILADOR y Roger canta con una convicción y un sentimiento que simplemente derrumban las paredes.

Todos estos maravillosos singles tempranos se amplían con joyas ya conocidas de los álbumes como My Generation, The Kids Are Alright, A Legal Matter, Boris The Spider y I Can See For Miles. De esta época se encuentra también una interesante rareza en Call Me Lightning, un single rockero de 1967 que raramente se halla en compilados y que ni siquera se agregó como bonus para Sell Out, cosa que sí hicieron con la mediocre Someone's Coming. Por su letra completamente liviana y hueca, no ha obtenido el mismo status que otros singles, pero lo cierto es que musicalmente Call Me Lightning no tiene desperdicio alguno; si me preguntan, es como una versión más trepidante y desarrollada de Run Run Run, con unos versos completamente adictivos.

Los grandes temas, sin embargo, no se quedan ahí. ¿Qué me dicen de Join Together? Esta jubilosa y potente canción fue escrita por Pete para Lifehouse, pero fue descartada de Who's Next y no se tuvo en cuenta para la reedición de Odds And Sods. Sí salió a la luz como single, pero esta es una de las pocas compilaciones donde se la encuentra. Si pensabas que en Who's Next Pete había agotado su creatividad con los sintetizadores, esperá a escuchar la fabulosa introducción de Join Together, y si la convicción avasallante de los antémicos versos no te conmueve, pues te diría que eres un bicho que merece acabar hecho puré en el parabrisas de algún camión. De esta misma índole es Let's See Action, otra de las rarezas de la época Lifehouse que The Ultimate Collection facilita al oyente. Realmente no es una gran canción, pero tampoco es nada mediocre; se trata de un piano rocker moderadamente pegadizo cuyo máximo atributo es la melodía vocal. Debería haber aparecido también en Odds And Sods para simplificar las cosas.

Y todo lo que queda es material conocido de los LP's. La selección es mayormente ortodoxa y, por lo tanto, acertada. De los primeros tres álbumes se rescataron nada más que los singles. Quizá habría quedado bien algún tema más de Sell Out, pero no estoy seguro que alguna de esas canciones funcionara bien fuera del conjunto; ya saben, aquel álbum es un ejemplo conspicuo donde el todo es más que la suma de las partes. De Tommy tenemos la infaltable Pinball Wizard y el excelente riff-rocker I'm Free (también publicadas como single) más una versión acortada de We're Not Gonna Take It, titulada See Me Feel Me. Básicamente lo que se hizo, fue amputar el primer tema de la canción y dejar las partes clásicas de "See me, feel me" y "Listening To You". Naturalmente no está mal, pero no veo ninguna razón coherente para no dejar la mejor canción de Tommy entera... de hecho, la primera melodía es mi favorita del tema! De Live At Leeds se eligió poner la rugiente versión de Summertime Blues, aunque yo hubiera preferido Shakin' All Over o Young Man Blues. De Who's Next se incluyó más de la mitad del álbum, y la verdad es que no había forma de evitarlo: Baba O' Riley, Bargain, Behind Blue Eyes, Won't Get Fooled Again... ja, como si existiera una excusa para no incluir esas joyas. Y como si eso fuera poca cosa, se tuvo el tino de agregar My Wife, que es la mejor canción que Entwistle le dio al grupo. De Quadrophenia se incluyen previsiblemente los grandes himnos The Real Me, 5:15 y, obviamente, Love Reign O'er Me. Odds And Sods también aporta lo suyo a través de Pure And Easy y Long Live Rock. Who By Numbers está representado por el single Squeeze Box, lo cual es algo discutible si me preguntan a mí (¿Por qué no la hermosa Blue, Red And Grey?) y de Who's Next están la infaltable Sister Disco y, cómo no, el clásico titular. Los últimos dos discos aparecen muy bien representados por sus respectivos singles y hits, la gran You Better You Bet y la aún mejor Eminence Front.

Y empecemos entonces a resumir. Los singles IMPRESCINDIBLES, esos que no encontrás en los álbumes de estudio, están todos aquí, no falta ni uno; la selección de cortes de álbumes también es sumamente acertada. Es, a todas luces, una colección casi perfecta. ¿Y por qué digo CASI? Pues porque para mi gusto exigente y notablemente hincha-pelotas, hay algún que otro problemita que me quita el sueño. Problema A: Habría que haber incluido We're Not Gonna Take It completo; vale demasiado la pena como para andar ensayando mutaciones extrañas como See Me Feel Me. Problema B: ¿Dónde DIABLOS está Naked Eye? ¿Qué clase de colección definitiva se da el lujo de descartar NAKED EYE?. Problema C: ¿Por qué no se incluyó el mejor tema de Quadrophenia, The Punk And The Godfather? Ah, maldición que esa canción tiene nivel de sobra para haber entrado. Problema D: ya que The Ultimate Collection tiene la gentileza de incluir los últimos descartes de Lifehouse que no se conseguían ni en Odds And Sods ni en la reedición de Who's Next (Join Together y Let's See Action), ¿Por qué se dejó afuera la magnífica The Relay? No es que sea la octava maravilla del mundo, pero es una canción importante para The Who y es, para mí, bastante superior a Let's See Action. ¿Ahora dónde la vamos a encontrar? Sí, en algún otro compilado oscuro que ande por ahí, te lo tendrás que comprar solo por una canción.

En todo caso, son pequeños errores en una colección 90% perfecta que, salvo quizá Squeeze Box y Who Are You, no contiene un solo punto flojo. No, no soluciona definitivamente los problemas de los singles del grupo. Temas como Zoot Suit, Daddy Rolling Stone, Bald Headed Woman, Shout And Jimmy, Heaven And Hell o Dogs siguen siendo tan oscuros y escurridizos tanto hoy como en los días en los que se publicaron. Sin embargo, los singles verdaderamente imprescindibles están aquí esperándote y vaya si los necesitás. Si no te interesa tener Call Me Lightning entre ellos, da lo mismo que te compres My Generation: The Very Best Of The Who (aunque no tiene The Kids Are Alright, así que no, olvídalo), pero si no te molesta desembolsar unos dólares más, pues esta es la DEFINITIVA colección sobre la música de los Who.

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